דלג לתוכן

כיצד שימוש מושכל בצללים יעזור לכם ליצור תמונות דרמטיות ומעניינות יותר

לעתים קרובות מדי אני מגלה על עוד ועוד צלמים שתמיד רוצים להתגבר על הצללים בתמונות שלהם. הם תמיד ירצו להאיר את הפורטרט שלהם בתאורה מאוד מפוזרת עד כדי השטחה, הם יצלמו נוף בטכניקת HDR כדי להתגבר על הצללים או גרוע מכך – יש כאלו שמראש לא יצלמו את התמונה מכיוון שהצללים מפריעים להם. 

לפני שתצללו אל תוך הפוסט הזה אתם חייבים להבין משהו מאוד חשוב: הצל הוא החבר הכי טוב שלכם כצלמים.
כשם שלא ניתן לדעת מהו אושר מבלי לדעת מהו עצב, וכשם שלא ניתן להבין הצלחה אם לא הרגשנו כשלון, כך גם אתם לא יכולים לקבל אור ללא חושך או צללים.
בדומה לאור, צל הוא אחד המרכיבים החשובים ביותר בתמונה. הוא אחד מאותם אלו שאחראים על תחושת העומק הויזואלי שבתמונה, כך שבהעדרו התמונה תראה שטוחה וחסרת עומק ופרטים.

שימוש בצללים דורש הבנה באור, ראיה טובה ויכולת הבחנה בין אור לצל, במיוחד כאשר התאורה ניגודית.
החדשות הטובות הן שזה משהו שכל אחד יכול לרכוש אם רק ירצה 🙂

אז בואו לגלות כיצד שימוש מושכל בצללים יעזור לכם ליצור תמונות דרמטיות יותר ותמונות בעלות עומק חזותי עשיר יותר, ובכך ישפר את התמונות שלכם באופן משמעותי.

הצל כנושא התמונה

לאובייקטים שונים יש צורות שונות שיכולות להיות בכיף הנושא הבא שלכם. תחשבו על דברים כמו עצים, אנשים, גדרות, אופניים וכדו'. בעזרת כיווני תאורה שונים, אתם תוכלו ליצור דימויים מעניינים מאוד מהצל של האובייקטים הללו. אתם יכולים לצלם רק את הצל ולחתוך את האובייקט האמיתי ואתם יכולים להציג את שניהם יחד.

ברור שלשם כך אתם תצטרכו אור שמש נוקשה או שימוש בתאורה מלאכותית חזקה כמו פלאש. אם אתם רוצים צללים ארוכים יותר, אז התאורה צריכה להאיר מזווית נמוכה יותר, זאת אומרת שאם מדובר בתאורה טבעית, אז זה אומר שתצטרכו לצלם בשעות הבוקר המוקדמות או בשעות אחה"צ המאוחרות.

הנה דוגמא מעולה לשימוש בצל כנושא התמונה. בתמונה הבאה יש פלאש חשוף (ללא מקור ריכוך) שמאיר את המצולמים מימין ובעיקר יוצר את הצל שלהם שהוא בעצם נושא התמונה.

צילום: תומר אלמקייס.

צרו צללית (סילואט) משלכם

בשונה מצל שנוצר מאובייקט שחוסם את האור, צללית נוצרת כתוצאה מכך שיש אובייקט כהה על רקע בהיר. צילום של צלליות הוא קל מאוד להשגה אם אנחנו מבינים את האור בצורה בסיסית וגם יודעים למדוד נכון את האור. לצורך העניין אתם צריכים שיהיה לכם אור אחורי חזק (מאחורי הנושא שלכם) או רקע בהיר מאחורי אובייקט כהה.

כמובן שאתם יכולים להיות יצירתיים ו"לעצב" את הנושא שלכם כראות עיניכם (במידה והדבר אפשרי כמובן). העניין הוא שבצילום מהסוג הזה אנחנו חושבים יותר על הצורות המתקבלות בתמונה ופחות על העומק של הנושא עצמו, וזה דבר מאתגר בפני עצמו.
כמו שאתם יכולים להבין מהתמונות הבאות, שקיעה היא דרך מצוינת ליצור צלליות מדהימות.

סילואט בשקיעה. צילום: תומר אלמקייס.

סילואט בשקיעה. צילום: תומר אלמקייס.

גם צילום של הנושא שלכם כאשר יש חלון מואר מאחוריו יניב לכם תוצאות מדהימות.

סילואט מול אור חלון. צילום: תומר אלמקייס.

והנה עוד כמה רעיונות לצילום צלליות גם כאשר השמש נעלמת לנו.

צילום: תומר אלמקייס.

צילום: תומר אלמקייס.

מבחינה טכנית, צילום סילואט נעשה כאשר יש אובייקט כהה על רקע בהיר ומדידת האור נלקחת מהאזור הבהיר.
כאשר אנחנו רוצים לצלם סילואט אך אין לנו את התנאים המתאימים, אנחנו יכולים להביא את התנאים אלינו, ממש כמו בדוגמא הבאה שבה השתמשתי בפלאש שהאיר את הקיר שמאחורי המצולמים.

סילואט עם פלאש. צילום: תומר אלמקייס.

צילום של הנושא שלכם כצללית יספר סיפור אחר לגביו ויעורר סקרנות כלפיו.
אם אתם רוצים לדעת יותר על צילום סילואט, אתם מוזמנים לקרוא את הפוסט "משחקי הצללים: כך תיצרו תמונות סילואט מושלמות".

צלמו פורטרטים דרמתיים

לפני שנתיים כתבתי את הפוסט 7 שימושים בתאורה טבעית שכל צלם חייב להכיר. אם קראתם את הפוסט הזה, אתם יכולים להבין שאין כזה דבר אור טוב יותר או אור טוב פחות. הכל מתחיל ונגמר בכוונות וברצונות שלכם כצלמים.

הנטייה הגדולה של צלמים מתחילים רבים היא לצלם ללא צללים כי מישהו אי פעם לימד אותם שצללים זה רע ותאורה קשה זה עוד רע אף יותר. מה שחשוב לדעת זה שאם יש לכם צללים בתמונה, זה לאו דווקא מצביע על כך שהתאורה היא קשה מכיוון שצללים מופיעים גם כאשר התאורה רכה.

כך או כך, הצללים הם אלו שיספרו לנו על העומק של הנושא שלנו ויוסיפו גם לדרמתיות של התמונה.

פורטרט בתאורת חלון. צילום: תומר אלמקייס.

לשם ההמחשה, תעשו לעצמכם את התרגיל הבא:

בחרו חלון שהשמש לא נכנסת דרכו בצורה ישירה והושיבו שם מצולם כלשהו כאשר הוא קרוב לחלון ושהחלון נמצא מימינו או משמאלו.
מקמו את עצמכם מולו כאשר הכתף שלכם פונה לקיר (וכך גם הכתף שלו) ותגידו לו להסתכל עליכם כך שהתוצאה תהיה חצי פנים מוארות וחצי פנים מוצלות. עכשיו תצלמו תמונה אחת.

לאחר מכן תרחיקו אותו מהחלון ותצלמו אותו כך שהחלון נמצא מאחוריכם. תעשו השוואה בין התמונות ותגלו שבראשונה יש לכם הרבה יותר עומק שנוצר כתוצאה מאור וצל יחד. לעומתה, התמונה השנייה תהיה שטוחה ונטולת צללים ועומק.

אז מה אתם יכולים ללמוד מזה? איזו תאורה טובה יותר לצילום פורטרט?

אני מקווה שעניתם נכון מכיוון שאין באמת תאורה שהיא טובה יותר או פחות. פשוט מדובר בשתי תאורות שונות שלכל אחת יש האופי וההשפעות שלה וכל אחת תתאים לצרכים אחרים.

אז כיצד זה יכול לבוא לידי ביטוי בתמונות שלכם?

תמונות דרמטיות וקונטראסטיות יכולות להיות תמונות שמספרות סיפור עמוק יותר על הנושא שלכם ומציגה אותו כדמות חזקה או כזו עם סיפור חיים מרתק.
תמונות עם תאורה שטוחה יותר ללא צללים יכולות להתאים לצילום רך של תינוקות, צילומי נשיות עדינים וכדו'.

בתמונה הבאה מצולם ברנס בן ה-93, עם תאורה טבעית רכה אך כזו שמגיעה מלמעלה ויוצרת צללים עדינים שמבליטים כל קמט במפת חייו המופיעה על פניו.

צילום: תומר אלמקייס.

התמונה הבאה מצולמת בתוך חדר, כאשר אור שמש נוקשה נכנס מבעד לתריס. הבדלי התאורה הקיצוניים הם אלו שגרמו לדרמה ולמקום שהתמונה הזו לוקחת אתכם אליו.

צילום: תומר אלמקייס.

התמונה הבאה מציגה משהו רך ונעים יותר ומתייחסת ליופי של המצולמת ופחות לסיפור חייה. לשם כך נעשה שימוש בשמש המאירה את הדוגמנית מאחוריה, כך שכל החלק הפונה אלינו הוא למעשה אזור מוצל והתאורה המתקבלת עליו היא רכה מאוד וכמעט שטוחה..

צילום: תומר אלמקייס.

השתמשו בצללים כדי להוסיף עומק גם בצילומי הנוף שלכם

צילום נוף הוא לא באמת קל כמו שאנחנו חושבים עליו בתחילת הדרך שלנו. אנחנו יכולים לצלם אלפי תמונות עד שתמונה תזכה ליחס של תגובות ושיתופים.

מילת המפתח בתמונה נוף טובה זו תאורה טובה, וכאן אנחנו מאוד תלויים בחסדיה של השמש ובשעות של היום.
צלמי נוף רבים יכולים לחכות מספר ימים לתאורה הנכונה שתגיע בשעה הנכונה ולו כדי לצלם "רק" תמונה אחת. אז אם זה לא אפשרי מבחינתכם, או שאתם לא מתכננים לעזוב את האשה והילדים ל-3 ימים לטובת צילום של תמונה אחת, פשוט תבחרו את זמני הצילום שלכם ברוב חכמה ודעת. ככה אתם תדעו אם אתם רוצים לצלם בשעות הבוקר, הצהריים, הערב או אפילו בשעת הזהב – שם האור קסום מאוד ואתם יכולים לצלם תמונות מקסימות מול השמש ולצאת מזה בחיים.

צילום: תומר אלמקייס.

הדבר הבא שאתם צריכים לעשות זה לחשוב על הכיוון של האור. כשאתם משתמשים בשמש כמקור התאורה שלכם, אז כיוון האור תלוי למעשה במיקום שלכם ביחס לשמש / לנושא שלכם.

אם השמש נמצאת מאחוריכם, זה אומר שאתם תקבלו תמונה שטוחה בדומה לצילום עם הפלאש הקטן שעל המצלמה שלכם (אם יש לכם כזה). רוב הזמן זו התוצאה שאתם פחות תרצו לקבל.
כדי לקבל יותר עומק בתמונה, מקמו את עצמכם כך שהשמש מאירה מהצד או אפילו ניגודית אליכם.

בשורה התחתונה: תאורה צידית תיצור צללים שיוסיפו עומק לתמונות שלכם, ידגישו את המרקם ויפיחו חיים ביצירות שלכם.

צילום: תומר אלמקייס.

צלמו שחור לבן

אם אתם דורכים את צעדיכם הראשונים בעולם הצילום, אתם חייבים ללמוד את האור ולדעת לדבר את השפה שלו. דרך מעולה ללמוד את האור היא לצלם בשחור לבן מכיוון ששחור לבן ידגיש לנו את האור והצל ואת הקונטראסט שבתמונה, כך שאנחנו מיד נבחין בכל בעיה או שינוי.

אני ממליץ לכם לאתגר קצת את עצמכם ולצלם את הסט הבא שלכם (ואפילו גם את זה שאחריו) בשחור לבן וזאת רק על מנת לחוות את חווית השימוש באור. אם תצלמו בקובץ RAW, אז תוכלו מצד אחד לחוות את חווית הצילום בשחור לבן, אך בזמן עיבוד התמונה אתם תוכלו להחזיר לה את הצבעים.

אני מאוד אוהב לצלם שחור לבן כי זה צילום שיש בו הרבה נשמה. אין צבעוניות שמסיחה את הדעת והריכוז הוא ברגש ובאור בלבד – מה שממקד אותנו מאוד במטרה שלנו.

צילום: תומר אלמקייס.

כמה מילים לסיום

הדבר החשוב ביותר שלמדתם היום זה שהצל הוא מקור החיים של התמונה בדיוק כמו האור, ואסור לכם לפחד ממנו משום שהוא צריך להיות החבר הכי טוב שלכם.
הוא ידגיש פרטים חשובים ויעלים את אלו שלא, הוא יעיד על העומק של הנושא שלכם וידגיש את המרקם שלו והוא תמיד יהיה שם כדי לספר לכם מהיכן הגיע האור ובאיזו שעה צולמה התמונה (במידה ומדובר באור טבעי).

עכשיו, לאחר שקראתם, זה הזמן לצאת החוצה, לחפש את האור ואת הצל גם יחד ולהתחיל להשתמש באהבה החדשה שלכם.

אז תודה לכם שקראתם אותי. אני מקווה שהפוסט הזה היטיב אתכם לפחות כמו אלו הקודמים לו. אם אהבתם את הפוסט, אל תהססו לשתף אותו לחברים שלכם שאולי ימצאו בו עניין דומה לשלכם, וכמובן גם להגיב את הדעה שלכם.
מזכיר לכם שכרגע יש בבלוג 74 פוסטים נוספים ועשירים במידע שניתן לקרוא בדף הבית של הבלוג.

אם טרם נרשמתם לניוזלטר שלי, אז זה הזמן לעשות זאת ולהיות הראשונים לדעת על כל פוסט חדש שיוצא לאור.

אז נתראה בפוסט הבא 🙂

שיטת האזורים בצילום: המדריך המלא למדידת אור וחשיפה נכונה

אגלה לכם סוד – לאחרונה, כחלק מהפעילות הבלוגרית שלי, אני מוצא את עצמי מסתובב יותר בקבוצות הצילום השונות שבפייסבוק על מנת לזהות חסרים אצל צלמים ובכך לקבל השראות לפוסטים. אני חושב שאם אני מצליח להביא פוסט שיענה לכם על צורך עכשווי, זה יהיה מאוד מועיל.

אחת התופעות שאני חווה יותר מדי לאחרונה היא חוסר הידע והשליטה באחד מהנושאים החשובים ביותר בעולם הצילום – החשיפה. מרגע לרגע, אני מבין שהצילום הדיגיטלי שואב מאיתנו לאט לאט את ההנאה האמיתית שבצילום, את הצורך ליצור כאן ועכשיו, ובעיקר את ההערכה האמיתית למדיום הזה שעוזר לכל אחד ואחת מאיתנו בכל רגע נתון.

המצלמות המשוכללות, הקבצים מלאי המידע, תוכנות העריכה המטורפות ומפלצות המחשבים – כל אלו שיפרו באופן מהותי את מדיום הצילום שבשנים האחרונות קיבל תפנית חדה וחיובית (והיד עוד נטויה…).
יחד עם זאת, צלמים שבימים אלו צועדים את צעדיהם הראשונים בתחום, מקבלים את הצילום "על מגש של כסף", כאשר כבר אין דגש על נתונים בסיסיים כמו חשיפה נכונה או איזון לבן. הרי ממילא אפשר לצלם ב-RAW, וממילא אנחנו עורכים את התמונות, וממילא הקבצים מפוצצים במידע, וממילא עוד אלף ואחת סיבות שצלמים שנולדו לעידן הדיגיטלי יכולים לומר לכם על צילום לא נכון.

ולענייננו, נושא החשיפה הפך להיות למטריד בשנים האחרונות. מסכי המצלמות "החליפו" את מד האור שלא במתכוון, וצלמים רבים נוטים לאמץ את שיטת ה"צלם והבט במסך" מבלי להתייחס כלל למד האור (במקרה הטוב) ולעתים גם מבלי להכיר בו כלל (במקרה הרע).

אז מה שאתם הולכים לקרוא היום זה בעיקר מדריך טכני על חשיפה ומדידת אור וקצת רקע כללי על מנת שתבינו את הסיבות לכל דבר.
במהלך הפוסט אדבר על מושגים שחלקכם אולי לא מכירים, אז תשימו לב לקישורים חיצוניים שכנראה יסבירו לכם את מה שאתם צריכים.

קריאה מהנה 🙂

אז מהי חשיפה?

חשיפה היא סך כל הכמות האור המגיעה אל חיישן המצלמה או אל סרט הצילום (במצלמות FILM). החשיפה נקבעת על ידי ערכים מסוימים של מפתח צמצם, מהירות תריס ורגישות ה-ISO (עיינו בפוסט "השילוש הקדוש שכל צלם חייב להכיר"). ערכים אלו אינם קבועים והם עשויים להשתנות מרגע לרגע בהתאם לתנאים, לתאורה ולרצונות שלכם.
כמו כן, מכיוון שחשיפה היא סך הכמות הכללית של האור, אז זה אומר שאתם יכולים לצלם 2 תמונות בחשיפות זהות לחלוטין אך עם נתונים שונים לחלוטין.

התבלבלתם?
אז בואו נמשיך..

כאן, למעשה, אנחנו נכנסים לחוק הגומלין שמספר לנו שאת החשיפה אנחנו קובעים פעם אחת בהתאם לסיטואציה, ואנחנו יכולים לשמור עליה גם אם אנחנו מעוניינים לשנות נתונים במהלך הצילום.

לדוגמא, נניח שבסיטואציה מסוימת החלטתם שאתם רוצים לצלם עם צמצם F4, ומד האור הראה לכם שכנגד אתם צריכים מהירות תריס 1/400 (ב-ISO100 לצורך העניין) על מנת לקבל חשיפה טובה.
צילמתם, הבטתם בתמונה והחשיפה מעולה בדיוק כמו שתכננתם, אבל בא לכם לפתוח סטופ אחד בצמצם כדי ליצור עומק שדה רדוד יותר. במקרה כזה, אם פתחתם סטופ אחד בצמצם (מ-F4 ל- F2.8) אז כנגד, אתם צריכים להעלות את מהירות התריס בסטופ אחד (מ-1/400 ל-1/800) או להוריד את ערך ה-ISO בהתאם (אם אפשרי).

כך בעצם, אתם שיניתם את נתוני הצילום, אך שמרתם על החשיפה שלכם.

אפור 18%, מדידת אור ומה שביניהם

אתם לא באמת תבינו עד כמה אתם יכולים לשלוט במצלמה שלכם עד שתצאו מהמצב האוטומטי ותתחילו לצלם במצב צילום ידני – Manual. במצב זה אתם לוקחים את המושכות לידיים שלכם ובעצם נפתחת בפניכם האפשרות לשנות כל דבר ולהשתלט על הצילום. אתם תוכלו לבחור בין מצבי הפוקוס השונים, אתם תוכלו לקבל שליטה על האיזון הלבן (WB), וכמובן שאתם תקבלו שליטה מלאה על החשיפה שלכם – משהו שהמצלמה לא תמיד תדע לעשות כמוכם.

הסיבה לכך נובעת מהעובדה שמד האור שנמצא בתוך המצלמה מכוון להגיע לרמת בהירות ממוצעת (נקודת הכיול של מד האור) בלי קשר ובלי מודעות לרמת הבהירות האמיתית של הנושא.

הדבר מתבטא בעיקר כאשר אנחנו נצלם נושאים בהירים מאוד (ראו פוסט צילום בשלג), או כהים מאוד. במקרים אלו המצלמה תתרגם את הכהה למחסור באור וכתוצאה מכך היא תבהיר את התמונה (חשיפת יתר). את הלבן היא תתרגם להרבה אור וכתוצאה מכך היא תכהה את התמונה (חשיפת חסר).

אז איך באמת אתם יכולים לקחת את השליטה לידיים שלכם ולפצות על השגיאות של המצלמה?

ובכן, אם אתם מצלמים במצב אוטומטי/חצי אוטומטי כלשהו, אתם יכולים לעשות זאת על ידי כפתור "פיצוי חשיפה" (זה עם הסמל: -/+) ואם אתם מצלמים במצב ידני, אז תוכלו לעשות זאת על ידי שינוי ידני של הפרמטרים (צמצם, תריס, איזו).
כך או כך, באיזו דרך שתבחרו, אתם חייבים להבין איך מד האור עובד וללמוד להקשיב לו כי יש סיבה לכך שהוא קיים שם.

אם כן, הדבר הראשון שחשוב להבין הוא שמד האור מתייחס לעולם כגוונים של אפור. במילים אחרות, כעולם נטול צבעים.
כן, זה למרות שהמצלמה מצלמת תמונות צבעוניות.

דבר קריטי אחר שחשוב לדעת זה שכל אובייקט שתצלמו, בין אם הוא בהיר ובין אם הוא כהה, מד האור ירצה תמיד לעשות אותו אפור ממוצע – זה המכונה אפור 18%.

תזכרו ותרשמו את זה! זה פרט חשוב מאוד בתרבות הצילום ובקריירת הצילום שלכם.

אם נרצה או לא, כשאנחנו עובדים עם מד האור, אנחנו תמיד נחשוב לפי אפור 18% ונחליט אם אנחנו רוצים יותר או פחות. במילים אחרות, אם הסצנה שלכם מלאה באזורים בהירים כמו שלג או הרבה אנשים שלובשים חולצות לבנות, מד האור שלכם יתרגם את הלבן הזה לכמות גדולה של אור ויביא אותו להיות אפור 18% מכיוון שהוא לא ידע לעולם שמדובר בשלג או באנשים.
כך גם לגבי נושא כהה..

אז אמרנו שכאשר אנחנו מצלמים במצב שאינו מצב ידני מלא (M), אנחנו נצטרך לבצע פעולה שנקראת פיצוי חשיפה וזאת על מנת להביא את החשיפה למקומה הרצוי.

לחצן פיצוי חשיפה

במצב צילום ידני לעומת זאת, אנחנו מתייחסים תמיד לסקאלה של מד האור (זו שנמצאת בתחתית או בצידי העינית) ומקשיבים לה. בינתיים, מה שאתם צריכים לדעת זה שמרכז הסקאלה, ה-0, מתייחס לנקודת הכיול – אפור 18%, כך שאם נמדוד אור מנושא לבן ונאפס את החשיפה על פי דעת המצלמה, אז נדע שהוא יתקבל כאפור ולכן נרצה להיות מעל ה-0 (= פיצוי חשיפה חיובי). כמובן שההיפך הוא בצילום של אובייקט כהה.

אם הבנתם נכון, עיקר ה"בעיה" היא כאשר הנושא שלנו בהיר או כהה יותר מאפור 18%. זאת אומרת שאם נמדוד אור מאפור 18%, אז אנחנו נקבל חשיפה נכונה.

אז סבבה שיש לכם מד אור, אבל איך הוא באמת יעזור לכם אם הוא ממילא לא יביא תוצאה מדויקת רוב הזמן? או במילים אחרות, כיצד ניתן להקשיב להצעת מד האור ולהחליט על שינויים בחשיפה?
כמובן שאני מדבר על מדידת אור מבלי לקבל אינדיקציה ממסך המצלמה או להסתמך עליו.

לשם כך, אתם חייבים להבין את שיטת האזורים (Zone System), כי הכל מתחיל ונגמר שם..

שיטת האזורים – Zone System

שיטת האזורים היא שיטה לתרגום האור שפיתח הצלם אנסל אדמס כדי להגיע לתוצאות עקביות בהדפסה. למעשה מדובר בשיטה שמקורה בהדפסת תמונות בחדר החושך כדי לעזור לצלמים לתרגם את האור הנראה לעין לאור המתקבל על גבי נייר הצילום.
עם הזמן, שיטה זו התפתחה למד האור הקיים היום בכל מצלמה.

לפי שיטת האזורים, העולם מחולק ל-11 אזורים של טונים.

כמו שאתם יכולים להבין, ה-0 הוא שחור, 10 הוא לבן, וכל 9 האזורים האחרים הם אזורים של אפור בטונים שונים.
האפור הממוצע, זה שנמצא במרכז הסקאלה שבין השחור ללבן, הוא אפור 18% והוא נקרא כך מכיוון שהוא מחזיר 18% מהאור הפוגע בו. האפור הזה הוא נקודת הכיול של החשיפה בכל המצלמות בעולם.

הנה הסבר על כל אזור כדי שיהיה לכם קל יותר להבין את זה:

  • אזור 0 מתייחס לשחור מוחלט, ללא מידע כלל.
  • אזור 1 מתייחס לאזור כהה עם טונליות מועטה אך עדיין נטול פרטים.
  • אזור 2 מתייחס לאזור הכהה הראשון שבו מתחילים להופיע פרטים, אם כי מועטים מאוד.
  • אזור 3 מתייחס לאזורים כהים עם פרטים הנראים לעין.
  • אזור 4 מתייחס לאזורים כהים כמו צל בנוף או עור בגוון כהה.
  • אזור 5 מתייחס לאזורים עם טונליות בינונית – מה שנקרא "אפור 18%".
  • אזור 6 מתייחס לאזורים כמו צללים בשלג, עור בהיר וכדו'.
  • אזור 7 מתייחס לעור בהיר מאוד, אספלט אפור באור שמש וכדו'.
  • אזור 8 מתייחס לאזור הבהיר ביותר שבו יש עדיין פרטים.
  • אזור 9 הוא טון קל עם פרטים מועטים מאוד, כמו שלג בוהק, דף לבן וכדו'
  • אזור 10 הוא לבן מוחלט, ללא פרטים – מה שקרוי גם "שרוף".

הדבר הבא שאתם צריכים לזכור זה שבין אזור אחד לשני מפריד סטופ אחד של חשיפה.

עכשיו, כשיש לכם את המידע הזה והדברים יושבים אצלכם טוב יותר מקודם, אתם צריכים לארוז את הכל ולהתחיל להשתמש בזה לטובת הצילום שלכם.

נניח שהנושא שלכם הוא ברמת בהירות כמו באזור 8, אז עכשיו אתם יודעים שהאיזון של מד האור יביא אותו להיות אפור 18% (אזור 5). זאת אומרת שאם מדובר בשמלה לבנה, המצלמה לא ממש תרצה שהשמלה הזו תהיה לבנה ולכן כאן אתם נכנסים כצלמים. כדי לקבל את השמלה כמו במציאות  אתם תצטרכו "לפצות" חיובית ב-1-3 סטופים על מנת לקבל חשיפה נכונה.

בדוגמא הבאה לקחתי קריאת אור מהכרית הלבנה. בתמונה הימנית הקשבתי למצלמה וקיבלתי כרית אפורה ופריים חשוך. בתמונה השנייה פתחתי סטופ אחד וקיבלתי את התוצאה הרצויה.

לצורך תרגול והבנה מעמיקה יותר, נסו לצלם דף לבן (או אובייקט לבן אחר). אם אתם מצלמים במצב צילום ידני, תמדדו אור מהדף כך שתעמדו על ה-0 בסקאלת מד האור. אם אתם מצלמים במצב עדיפות צמצם או תריס, אז תוודאו שאתם מצלמים ללא פיצוי חשיפה.

עכשיו צלמו תמונה אחת.

לאחר מכן, תפצו ב-2 סטופים חיוביים (בצורה ידנית או חצי אוטומטית) וצלמו תמונה נוספת.

מבחינים בהבדל? בתמונה הראשונה הדף יצא לכם אפור וממש לא לבן. בתמונה השנייה, הדף ייראה לבן אך עדיין עם מעט פרטים.

והנה המחשה של סקאלת מד האור מול שיטת האזורים:

מדידת אור באמצעות מד אור חיצוני

כלי נוסף ויעיל מאוד הוא מד האור החיצוני שאם נודה בכך, רובנו לא מכירים אותו וגם אלו שכן מכירים – ממעטים להשתמש בו. אני מודה שאני מאלו שמכירים אותו ולא משתמשים בו כי באמת היום פחות זקוקים לו אם מבינים באמת מה צריך לעשות, למה וכמה.

בכל אופן, כבודו של מד האור החיצוני מונח במקומו וזה זמן מעולה לתת לו את הבמה הראויה לו.

מד האור החיצוני נראה כך:

הוא עובד בצורה דומה למד האור שנמצא בתוך המצלמה שלנו וגם הוא תמיד מכוון לאפור 18%, אבל היתרון הברור שלו זה שהוא יודע למדוד גם אור נופל ולא רק אור חוזר.

לצורך העניין, מד האור שנמצא במצלמות שלכם יודע למדוד את האור החוזר מהנושא ולכן הוא מושפע מרמת הבהירות/כהות של הנושא. זה אולי לא נשמע ברור, אבל יש הבדל גדול בין האור הסביבתי לבין האור המוחזר מעצמים בסביבה. האור שחוזר מהנושא שלכם מושפע מאוד מרמת הבהירות שלו כך שאם הנושא שלכם בהיר אז הוא יחזיר יותר אור, אבל אם הוא כהה הוא יחזיר פחות אור. וזה, כמובן, משהו שמשפיע מאוד על מדידת האור ודורש התייחסות וערנות תמידית.

לעומת זאת, מד האור החיצוני יודע גם להתייחס לאור ככזה ש"נופל" על הנושא ולכן הוא לא מושפע מרמת הבהירות שלו. זאת אומרת שבאמצעות מד האור החיצוני, אנחנו יכולים למדוד את האור ולהגיע תמיד לחשיפות נכונות מבלי הצורך לחשב את רמת הבהירות של הנושא (למרות שזה עניין מאתגר בפני עצמו).

אם נודה בזה, אני מניח שאתם לא באמת הולכים לקנות מד אור חיצוני כי סביר להניח שבמקומו תרצו איזו עדשה חדשה, וזה בסדר.. אם אתם בכל זאת רוצים, אז תדעו שיש אפליקציות מעולות למדידת אור חיצונית כאשר מלבישים "כיפה" לבנה על חיישן האור של הטלפון (בדומה למד אור אמיתי) ולהגיע לאותן תוצאות. חוץ מזה, ניתן להגיע לחשיפה מדויקת גם באמצעות כרטיס אפור 18% או (כן כן) באמצעות כף היד שלכם.

מדידת אור באמצעות כרטיס אפור

כשהתחילו השימושים במד האור במצלמה, חיפשו דרכים קלות ויעילות שתקלנה על הצלם לא לטעות בחשיפה, שכן, בשונה מהיום, בעידן סרטי הצילום לא היו מסכים שנותנים מידע מיידי אודות התמונה והחשיפה. לשם כך הומצא כרטיס בגוון אפור 18% שקריאת האור ממנו מניבה חשיפה נכונה, מכיוון שכאמור – אפור 18% הוא נקודת הכיול של המצלמה.

איך עושים את זה?
פשוט מאוד.

מציבים את הכרטיס האפור במקום הנושא, עם אותה תאורה שאיתה מצלמים את הנושא ומאפסים את מד האור.

מדידת אור מאולתרת באמצעות כף היד

לאלו מכם שלא רוצים להסתובב עם כרטיס אפור, או למקרה ששכחתם אותו בבית, דעו שכף יד של אדם ממוצע מחזירה כ-36% מהאור הפוגע בה. זאת אומרת שאם ניקח קריאת אור מכף היד ונפתח סטופ אחד (פיצוי חשיפה חיובי), אז נקבל חשיפה נכונה.

כמובן שכף היד צריכה לעמוד באותו אופן של הכרטיס האפור המוזכר בפסקה הקודמת.

מדידת אור לפי אזורים

הדבר הבא שאתם צריכים לדעת הוא שקיימות במצלמה 3 שיטות עיקריות למדידת אור, כאשר כל אחת מהשיטות מאפשרת לנו למדוד אור מאזור רחב או מצומצם יותר.

ככה הם נראים במצלמה (יתכנו סמלים שונים ליצרניות השונות):

וזה מה שהם אומרים:

Matrix – במצב זה אנחנו מודדים אור מכלל הפריים. המצלמה תיקח ממוצע כולל של בהירים וכהים ותשכלל חשיפה ממוצעת.
Center Weighted – במצב זה אנחנו מודדים אור מאזור מרכזי בפריים. גם כאן נעשה ממוצע של אזורים בהירים וכהים אם קיימים.
Spot – המצב האידיאלי והנכון ביותר לעבודה בשוטף. במצב זה אנחנו מודדים אור בצורה נקודתית מאזורים קטנים מאוד בתוך הפריים שלנו. בשל כך אנחנו לא נותנים למצלמה להחליט בעצמה על חשיפה ממוצעת, מה שמאפשר לנו להגיע לתוצאות מדויקות מאוד.

ככה זה נראה בשטח בניסיון לצלם את הירח על רקע השמיים הכהים.

צילום התמונות: אביב קורט.

בתמונה השמאלית – מדידת אור כללית. מד האור התחשב ברוב השחור שיש בתמונה והתייחס לכך בקריאת האור.
בתמונה האמצעית – מדידת אור מרכזית – מד האור התייחס למרכז הפריים שבו יש יותר אזורים כהים מבהירים, ולכן הירח עדיין לא נראה במיטבו.
בתמונה הימנית – מדידת אור נקודתית – מד האור התייחס אך ורק לירח מבלי להיות מושפע כלל משאר הסביבה.

היסטוגרמה

כשמדברים על חשיפה, קשה מאוד שלא להזכיר את ההיסטוגרמה שהיא בעצם תעודת הזהות של החשיפה בתמונה. ההיסטוגרמה קיימת בכל מצלמה ותוכנת עיבוד תמונה שמכבדות את עצמן ותפקידה הוא להציג לנו את התפלגות הפיקסלים בתמונה מהבהיר ביותר ועד לכהה ביותר.

ככה היא נראית:

החלק הימני של ההיסטוגרמה מתייחס לאזורים הבהירים בתמונה, החלק המרכזי מתייחס לגווני הביניים והחלק השמאלי מתייחס לאזורים הכהים.
לפי ההיסטוגרמה שלמעלה אתם יכולים להבין שהתמונה המשויכת אליה עשירה במידע, יש בה הרבה גווני ביניים, מעט מאוד אזורים כהים נטולי פרטים ומעט בהירים.

והנה התמונה:

צילום: תומר אלמקייס.

חשוב לציין כי ההיסטוגרמה היא חלק מהתמונה ולכן אתם תוכלו לבחון אותה רק לאחר צילום התמונה. מכאן שההיסטוגרמה היא לא כלי למדידת אור, אלא כלי לבדיקה והבנה של החשיפה בתמונה לאחר הצילום.

כמה מילים לסיום

עכשיו, כשאתם מבינים את התפקיד של מד האור שבמצלמה שלכם, אתם בדרך הנכונה לקבלת חשיפות עקביות נכונות יותר.

בפעם הבאה שאתם יוצאים לצלם, זכרו כי ישנה דרך לתרגם את האור ואתם לא חייבים להציץ כל שנייה במסך המצלמה כדי להיות בטוחים שאתם בחשיפה טובה.
אז לפני שתלחצו על כפתור הצילום, בחנו היטב את הטונים שבסצנה שלכם ותקבלו החלטה על אופן מדידת האור.

כאשר אתם משתמשים במדידת אור כללית (Matrix) או מרכזית (Center Weighted), תשאלו את עצמכם כמה כהים וכמה בהירים יש לכם בתמונה / באזור המרכזי (בהתאם לשיטת המדידה).

אם הבהירים רבים יותר מהכהים, אז פיצוי החשיפה יצטרך להיות חיובי (+) על מנת ליצור חשיפה טובה יותר.
אם הכהים רבים יותר מהבהירים, אז פיצוי החשיפה יצטרך להיות שלילי (-) על מנת ליצור חשיפה טובה יותר.
לעומת זאת, אם יש שוויון בין הכהים לבהירים, אתם עשויים לגלות שלא תצטרכו להשתמש כלל בפיצוי חשיפה.

אם אתם רוצים לדעת איך אני עובד, אז זה פשוט מאוד. אני תמיד על מצב מדידת אור נקודתית (SPOT), כך שאני לא נעזר בממוצע שהמצלמה עושה, אלא בוחר בעצמי את האזור שממנו אני רוצה לקחת את קריאת האור וזאת מבלי להיות מוגבל או להתבלבל.
למעשה, אין לי כל צורך ב-2 שיטות המדידה האחרות..

חברים, הגענו לקו הסיום 🙂

אני מקווה שהפוסט הזה לימד אתכם ועשה לכם סדר בראש לפחות כמו הפוסטים הקודמים שכתבתי.
אז אם אהבתם את הפוסט והוא עזר לכם, הרגישו חופשי לשתף אותו עם החברים שלכם. גם להם הוא יכול לעזור.
בנוסף, הרגישו חופשי להגיב ולשאול שאלות.. אענה לכם בשמחה 🙂

כמו כן, אם עדיין לא נרשמתם לניוזלטר שלי, אתם מוזמנים לעשות זאת עכשיו ולהיות הראשונים לדעת על כל פוסט חדש שעולה לאוויר.

אז נתראה בפוסט הבא 🙂

חשיפה כפולה בצילום – המדריך המלא

חשיפה כפולה -והכוונה לתמונה אחת בה משולבות 2 חשיפות (או יותר) שונות- זו טכניקת צילום רבת שנים שבפועל החלה כתאונה, כמעט כמו הצילום עצמו.

בשלבים המוקדמים יותר של עידן סרטי הצילום, לאחר צילום התמונה היה נדרש להזיז את קטע סרט הצילום שעליו צולמה התמונה האחרונה, על מנת להכניס קטע סרט חדש שאינו נגוע באור כדי לצלם עליו את התמונה הבאה. 
הבעיה היא שכאשר אתם נדרשים לבצע את הפעולה הזו לאחר כל תמונה, קל מאוד לשכוח את העניין הזה.

כך הגיעה לעולם החשיפה הכפולה.

מה שקרה בעצם זה דבר פשוט. סרט הצילום נחשף לאור פעמיים ב-2 חשיפות שונות. זאת אומרת שאותו קטע סרט הכיל 2 תמונות שישבו אחת על השנייה.
לא תאמינו עד כמה שזה יכול להיות מדהים!

חשיפה כפולה בצילום. צילום: תומר אלמקייס.

כמובן שבאיזשהו שלב המציאו מנגנון שמזיז את סרט הצילום מיד לאחר צילום התמונה, אבל גם זה לא היה קיים בכל המצלמות ועדיין לא מעט צלמים (ואני ביניהם) נפלו בזה.

בימינו, כשהכל עובד בצורה דיגיטלית, אז הדברים לא עובדים אותו הדבר.. על מנת ליצור חשיפה כפולה בעזרת המצלמה ולא בעזרת פוטושופ, אנחנו נצטרך שלמצלמה שלנו תהיה את האפשרות הזו.

כואב הלב, אבל לפעמים העולם המודרני משכיח מאיתנו טכניקות ישנות וטובות שבאמת יכולות להנעים את זמננו כצלמים.
יחד עם זאת, היום אני רואה יותר ויותר צלמים שמנסים להגיע למחוזות הרטרו ולהחזיר מעט את סגנונות העבר.

אז בואו נטעם מעט מהטכניקה הישנה והמיוחדת הזו שאני באמת כל כך אוהב.. זו שיכולה לקחת אתכם למקומות חדשים של יצירתיות בציור באור.

אז קדימה 🙂

שיטות מסורתיות של ריבוי חשיפות

אם אנחנו לא יכולים לעשות את הפעולה הטכנית הזו במצלמה דיגיטלית, אז איך בכל זאת נוכל ליצור חשיפות כפולות?

אז אם במצלמה שלכם ישנה הגדרה העונה לשם Multiple Expoture (או משהו דומה), הרווחתם! אם לא, אתם תצטרכו ליצור זאת באמצעות חשיפה אחת ארוכה, וגם פלאש יכול להועיל לכם כאן.

כל מה שאתם צריכים זה לוקיישן חשוך שבו תוכלו לבצע חשיפה ארוכה של 10-15-30 שניות (כרצונכם), ושהתמונה עדיין תהיה כהה.

למה כהה אתם שואלים?

מכיוון שאם התמונה כהה, אז אתם תוכלו להאיר נושא מסוים עם פלאש מספר רב של פעמים כאשר בכל פעם הוא נמצא במקום אחר בפריים, וכך ליצור "אפקט" דומה לזה של החשיפה הכפולה.

טכניקה זו משמשת לעיתים צלמי אדריכלות על מנת להאיר חלקים שונים בסצנה עם מקור תאורה אחד ובחשיפה אחת.

כפי שאתם יכולים להבין, החיסרון הבולט כאן זה העניין שהפריים צריך להיות חשוך, וזה רוב הזמן יגביל אותנו. למרות זאת, טכניקה זו יכולה להיות מאוד יעילה, במיוחד אם משתמשים בפלאש במצב Strobe (ריבוי הבזקים) כדי להקפיא תנועה מספר רב של פעמים בפריים בודד.

ממש כמו בתמונה הזו שבה תנועת הקלף הוקפאה מספר רב של פעמים בעזרת הפלאש.

אם אנחנו מדברים על תאורת יום נורמאלית, הדרך היחידה ליצור חשיפה כפולה היא על ידי הרכבת פילטר ND שמשמש כמעין משקפי שמש לעדשה על מנת להוריד סטופים בחשיפה. במילים אחרות – הוא מחשיך את הפריים, ובכך מאפשר לנו ליצור חשיפה ארוכה שתאפשר לנו לכסות את העדשה ולזוז מהר למקום אחר כדי לצלם את הפריים הבא.

במקרה הזה יש לא מעט חסרונות שאתם יכולים להבין אותם לבד. החיסרון הבולט זה העניין של המגבלה. אם אני רוצה לצלם 2 חשיפות במקומות שונים או בהפרשי זמן גדולים יותר, אז זה לא אפשרי. מה גם שנעלמת האפשרות להקפיא תנועה ללא עזרתו של הפלאש.

מעבר לכך, החיסרון המשותף ל-2 השיטות האלה זה שהן מסתמכות על הצטברות של עוד ועוד אור על החיישן, וכך בעצם קל לנו יותר לייצר תמונות שרופות, אלא אם כן אנחנו עושים חישוב מדויק של כמות הפלאשים פר חשיפה ומודדים את האור בצורה מדויקת, כי תוך כדי הצילום אין לנו שום מושג מה קורה. התוצאה רק בסוף.

השיטות המודרניות לחשיפה כפולה

חלק מהמצלמות הדיגיטליות מציעות אפשרות ממש ממש טובה לריבוי חשיפות, והאמת היא שזו לא רק דרך לשחזר את הטכניקה הישנה, אלא גם (ובעיקר) פותח בפנינו אופקים חדשים של יצירתיות. כשאני מצלם חשיפות כפולות אני הכי מרגיש "צייר עם מצלמה". כאן, יותר מהכל, יש חשיבות רבה לכל פרט, מהבהיר ועד לכהה, מהחד ועד למטושטש.

אם הייתה טעות, אז פספסתם תמונה. כבר קרה לי לא מעט פעמים שחיכיתי כמה דקות בין תמונה לתמונה, עם תכנון מלא, אבל בלת"מ של הרגע האחרון הרס הכל. זה קורה. והידיעה הזו היא זו שתגרום לכם להשקיע וליהנות יותר מתהליך הצילום עצמו.

לענייננו, אם המצלמה שלכם נוצרה בשנים האחרונות, אז סביר להניח שקיימת בה האפשרות הזו. אתם רק צריכים לבדוק בספר המצלמה או פשוט לעיין קצת בתפריט שלה ולחפש את צמד המילים Multiple Expoture או משהו דומה לזה. כל יצרן עשוי לקרוא לזה בשם אחר, אבל בפועל מדובר באותה פעולה.

בהגדרה זו אתם יכולים לבחור את מספר החשיפות שאתם רוצים לצלם על קובץ תמונה אחד. מממ מעניין 🙂

דבר נוסף שטוב לדעת – בקנון ישנה אפשרות לבחור תמונה שצולמה במצב רגיל (לא במצב חשיפה כפולה) ולצלם עליה תמונה נוספת. לדעתי, זו אופציה מעולה. בניקון זה קל יותר, שם הם נותנים את האפשרות לבחור 2 תמונות מהכרטיס ולשלב ביניהן. זה טוב למצבים שבהם אתם מתכננים את החשיפות הכפולות שלכם, אבל רוצים לבצע את החיבור לאחר מכן בצורה מבוקרת יותר אך עדיין דרך המצלמה.

חוץ מזה, השיטה הכי אידיאלית זו השיטה הפשוטה והידועה. פשוט לצלם תמונה על תמונה, לתכנן טוב וליהנות מהתהליך!
כך או כך, אל תתנו למצלמה שלכם להקל עליכם יותר מדי..

הצילום בפועל

בשביל לקבל את התוצאות הטובות ביותר, אתם תצטרכו לצלם 2 סצנות ניגודיות. כך, האור מתגבר על החושך ואתם נשארים עם רישום מעניין.

התמונה הבאה משלבת תמונת סילואט (צללית) של המצולמת, יחד עם תמונה של הנוף. הניגודיות בין התמונות היא זו שגרמה לתוצאה הסופית להיראות כך .
כאשר התמונות השתלבו להן יחדיו, האזורים המוארים גברו על האזורים החשוכים והכל השתלב לתוצאה הזו.

חשיפה כפולה בצילום. צילום: תומר אלמקייס.

זכרו שכאשר אתם קונים מצלמה, אם קיימת בה אפשרות ריבוי החשיפות, אז היא תהיה מוגדרת על ברירת מחדל כלשהי של כמות חשיפות. לכן מומלץ להיכנס להגדרות המצלמה ולהגדיר את מספר החשיפות שאתם רוצים. אני לרוב משתמש ב-2 חשיפות ולא יותר, כי אחרת אני יכול למצוא את עצמי מביט מול עומס יתר של פרטים שלא באמת ראויים להצגה, אבל כמובן שזה אפשרי וההעדפה הזו היא אישית.

ומה לגבי החשיפה?

אולי חלקכם לא חשבו על זה, אבל אשתדל לעשות את זה בשבילכם. דמיינו לעצמכם שאתם חושפים חיישן בחשיפה נכונה. קיבלתם תמונה טובה, אני מניח. אבל מה יקרה כאשר תצלמו 2 תמונות, אחת על השנייה, כאשר שתיהן בחשיפה  נכונה?

נכון, קיבלתם תוצאה של חשיפת יתר בסטופ אחד. לכן, זכרו שאם אתם מצלמים 2 חשיפות, אז אתם צריכים שהתמונות תהיינה בחשיפת חסר של סטופ אחד מהחשיפה שאותה אתם רוצים. כך גם אם אתם מצלמים 4 חשיפות, אז אתם צריכים שכל תמונה תהיה בחשיפת חסר של 2 סטופים, וכן הלאה..

כמובן שאתם יכולים להקל על עצמכם ולצלם במצב עדיפות צמצם או עדיפות תריס. המצלמה, חכמה שכזו, תדע מהי כמות החשיפות שאתם מתכננים לעשות ותדאג להביא לכם חשיפות חסר בהתאם. ושוב, גם כאן אני ממליץ לכם להמשיך לצלם על מצב צילום ידני M ולשלוט על הכל באופן מוחלט.

חשיפה כפולה בשלב העריכה

נכון שזה אולי הדבר האחרון שאנחנו רוצים, כי אין ספק שהאוטנטיות של הטכניקה היא אחד הדברים החשובים בכל העניין הזה, אבל לפעמים אנחנו נרצה או נצטרך עבודה מבוקרת יותר.

האמת שלפעולת עריכה זו נכון יותר לקרוא פוטומונטאז', אבל לדעתי היא עדיין יכולה להיקרא חשיפה כפולה אם התמונות צולמו למטרה הזו.

גם כאן, התוצאות הטובות ביותר תתקבלנה כאשר יש 2 פריימים ניגודיים. במצב כזה, האזורים המוארים מתגברים על האזורים החשוכים וכך נוצרת הרמוניה מעניינת בין הפיקסלים.

שיר אורדו, זמרת. צילום: תומר אלמקייס.

התמונה הזו קצת מורכבת מבחינת העשייה שלה, אבל לא משהו מסובך מדי.

מדובר בשילוב של 2 תמונות:

  1. תמונת הרקע שצולמה בחשיפה של 2 שניות מהיד, וזאת על מנת ליצור מריחת תנועה מבוקרת.

צילום: תומר אלמקייס.

  1. התמונה של שיר אורדו המוכשרת שצולמה מהיד בחשיפה של 2 שניות עם תנועה מבוקרת ומתוכננת בשילוב של פלאש ותאורה רציפה.

צילום: תומר אלמקייס.

שתי התמונות חוברו להן יחדיו בתכנת פוטושופ כאשר שכבה יושבת על שכבה עם ההגדרה Screen.

בנוגע ליצירתיות

לאחר שבדקתם את האפשרויות העומדות בפניכם בנוגע לריבוי חשיפות, אתם יכולים להתפנות ולחשוב על השינויים שאתם רוצים שיהיו בין התמונות שלכם. ושאני מדבר על שינויים, אני מדבר על שינויים ממשיים בין תמונה לתמונה. אתם ממש יכולים לצלם 2 תמונות שונות לחלוטין מבחינת הכל (חשיפה שונה, עדשה שונה, מיקום שונה וכדו') ובכך ליצור לעצמכם עולמות חדשים.

כך, לדוגמא, אתם יכולים לצלם תמונה אחת שהיא מאקרו ולשלב עליה תמונת נוף או שאתם יכולים לצלם תמונה אחת עם פוקוס ותמונה אחת בלי פוקוס. האפשרויות כאן הן באמת אינסופיות, והדרך להגיע לתוצאות מרשימות לא קשה במיוחד.

בדוגמא הבאה, מדובר בשילוב של 2 תמונות. האחת צולמה בחשיפה ארוכה ללא פלאשים חיצוניים ועם תנועת יד לקבלת מריחה, והתמונה השנייה צולמה בחשיפה קצרה יותר עם פלאשים חיצוניים. דבר זה גרם להבלטה של הנושא שנמצא בחזית הפריים.

חשיפה כפולה בצילום. צילום: תומר אלמקייס.

הדוגמאות הבאות שייכות לצלם יגאל גיאת, אמן מוכשר מאוד וחבר טוב.
התמונות צולמו בטורונטו בשנת 2003 במצלמת פילם ונסרקו במחשב על מנת להביא אותן אל המסכים.
כל תמונה משלבת צילום של אותו פריים, פעם אחת עם פוקוס ופעם אחת בלי פוקוס.

צילום: יגאל גיאת.

צילום: יגאל גיאת.

צילום: יגאל גיאת.

מדהים כמה קסם אפשר להכניס פתאום לתמונות..

עכשיו אני רוצה להתגאות בתלמיד מוכשר שלי שצילם את התמונות האלה במסגרת פרויקט הסיום של קורס יסודות הצילום בהדרכתי, כאשר כל תמונה מורכבת מ-2 תמונות שונות המכילות סיטואציות שונות. העבודה נעשתה בצורה מבוקרת ומתוכננת כאשר כל תמונה צולמה בנפרד וחוברה יחד עם התמונה המתאימה לה.

צילום: גיל בן הדור.

צילום: גיל בן הדור.

סוף דבר

הצילום עצמו התחיל כסוג של "פוקס". רגע אחד של תשומת לב והופ, הנה אנחנו כבר 2000 שנה אחרי, נהנים ממצלמות העתיד 🙂
תתפלאו, אבל עוד הרבה טכניקות צילום נוצרו מתוך תאונה או פוקס.

החשיפה הכפולה היא רק אחת מאותן טעויות שבהחלט ניתן לברך עליהן "מודה אני", אך היא בהחלט יכולה לקחת את החלק האמנותי שבכם כמה צעדים קדימה ולשדרג אותו.

בחשיפות כפולות, אתם באמת יכולים לעוף עם הרעיונות שלכם לאן שאתם רוצים, רק אל תשכחו להתחשב תמיד בסיפור של התמונה ובשילוב יצירתי של חשיפות, כי בסופו של דבר אנחנו מציירים עם האור.

חברים, הגענו לסיום, ושוב אני שמח מאוד שקראתם אותי. זה באמת כיף כל פעם מחדש!!!
אז אני באמת מחכה לתגובות ולשיתופים שלכם כי כל תגובה ושיתוף ממלאים לי את המצברים וגורמים לי לכתוב עוד 🙂

אם עדיין לא נרשמתם לרשימת התפוצה, אז אתם מוזמנים לעשות זאת כעת ולהיות הראשונים לדעת על כל פוסט חדש שעולה לאוויר.

נתראה, כמובן, בפוסט הבא 🙂

קורסי צילום ועיבוד תמונה בנקודת מבט:

שדרגו את רמת הצילום שלכם בעזרת 3 צעדים פשוטים ויעילים

אחת השאלות הנפוצות יותר בתחום הצילום היא "איך אפשר לשדרג את התמונות שלי שתיראינה מקצועיות יותר?". 

בפועל, אין זה משנה מהי רמת הידע שלכם או מהו השלב הלימודי שבו אתם נמצאים. כך או כך, קשה מאוד לערוך השוואה בין התמונות שלנו לבין תמונות שצולמו על ידי אדם אחר המוגדר בעיננו כמקצועי יותר.

כמעט כל אחד רוצה לצלם תמונות שנראות כאילו נלקחו ממגזין מפורסם, אבל לא כולנו יודעים איך לעשות זאת נכון. ישנם כאלו שיאשימו את הציוד שלהם ויחליטו כי הם צריכים מצלמה מקצועית יותר או עדשה יקרה שבלעדיה לא יהיה ניתן להגיע לתוצאות הרצויות.
החדשות הטובות הן, שאחרי הפוסט הזה אתם לא תצטרכו לרוץ ולשדרג את המצלמה והעדשה שלכם, אלא להמשיך לצלם בכלי הקיים ולנצל אותו עד תום!

אחת הדרכים הטובות ביותר לפתח את החוש הצילומי שלכם, היא להתבונן על תמונות ולבחון אותם מנקודת מבט מקצועית. היום הרשת מלאה בתמונות ובצלמים שמשתפים את התמונות שלהם בקבוצות הפייסבוק השונות, באינסטגרם ובאתרים נוספים.
אם כן, הטיפ הראשון שאני יכול לתת לכם הוא למצוא את הז'אנר הצילומי האהוב עליכם ולחפש את הצלמים המעניינים ביותר שאתם רוצים לעקוב אחריהם. אלו שאתם מעריצים אותם ואוהבים את העבודה שלהם, אלו שייתנו לכם השראה.

השלב הבא הוא לבחון את התמונות.
שימו לב למכנה המשותף של כל התמונות ולסגנון של הצלם שצילם אותן ותשאלו את עצמכם האם אתם מבינים מה קורה שם והאם מדובר במשהו שתוכלו ליישם אותו בעצמכם במיידי. אם לא, אז תצטרכו לערוך מחקר מעמיק יותר ולחפש את הדרכים הנכונות להשיג את התוצאות שאתם רוצים.

בעזרת התבוננות בתמונות, בחינה נכונה שלהם ושאילת השאלות הנכונות, אתם תוכלו לשדרג את רמת הצילום שלכם מהר יותר מכפי שציפיתם.

היום אני אציג בפניכם 3 צעדים פשוטים שמלווים אותי בכל תמונה שאני מצלם, והייתי רוצה שצעדים אלו ילוו גם אתכם.

אז שתהיה לכם קריאה מהנה 🙂

צעד מס' 1: מלאו את הפריים שלכם ואל תכניסו אליו ג'אנק.

מכיוון שהעיניים שלנו מוגבלות הרבה פחות מהמצלמה (בלשון המעטה), אחת מהטעויות הנפוצות בקרב צלמים מתחילים היא למלא את הפריים בכל הבא ליד. זו מעין תשוקה מולדת כזו, ממש כמו לצלם את הנושא שלנו במרכז הפריים ו/או לעשות את הפוקוס במרכז הפריים.

ייאמר לזכותנו שאנחנו צלמים, ויש לנו עין נוספת שהיא מוגבלת מחד, אך גמישה מאוד מאידך.. מה שאומר שבעזרתה אנחנו יכולים לשלוט יותר על שדה הראייה שלנו, על העומקים שבתמונות, על הקומפוזיציות ועל עוד הרבה דברים יפים וטובים.

אם כן, צעד מספר אחד שאני יכול להמליץ עליו הוא חוק מס' 1 בקומפוזיציה: מלאו את הפריים שלכם, הכניסו אליו אך ורק את מה שחשוב והוציאו ממנו פרטים העלולים להסיח את דעת הצופה.

עכשיו, בואו ניקח דוגמא פשוטה מהיום יום שלנו. מתי בפעם האחרונה צילמתם את הילד / אחיין / נכד שלכם ולא הייתם מרוצים מהתוצאות?
עכשיו בואו נשאל "למה לא הייתם מרוצים מהתוצאות?"

אם אתם מסתכלים על סט שלם של תמונות שצילמתם ואתם לא מרוצים מכולן, אז אתם צריכים למצוא מהו החוט המקשר בין כל התמונות ולהבין איפה הבעיה שאתם צריכים לפתור.

עכשיו אגיד לכם שברוב המקרים, הסיבה שאתם לא מרוצים מהתוצאות היא כי הפריים שלכם לא מלא מספיק בנושא שלכם או כי ישנן הסחות דעת מיותרות שלוקחות תשומת לב רבה מדי מהנושא. לדוגמא: אתם מצלמים את הילד שלכם משחק בפארק אבל התמונה מלאה בהסחות דעת אחרות כמו אמא שמאכילה את הילד שלה ברקע, ילדים אחרים משחקים, מכוניות חונות / נוסעות וכדו'.. כל אחד מאלו שהזכרתי כאן יכול להיות תורם טוב לסיפור של התמונה במידה ואנחנו רוצים אותו ככזה ומשתמשים בו ככזה, אך אם אין לנו עניין בו, אנחנו נצטרך "להעלים" אותו כדי שהנושא לא ילך לנו לאיבוד בין ים של מידע מיותר.

צילום: תומר אלמקייס.

אז איך עושים את זה נכון?

הפתרון הפשוט ביותר לבעיה זו היא פשוט למלא את הפריים ולהכניס אליו אך ורק את מה שאנחנו רוצים.

אם אתם מצלמים עם המצלמה של הטלפון, אז תתקרבו עם הרגליים ולעולם אל תשתמשו בזום הדיגיטלי. בזום דיגיטלי לא באמת מדובר בזום, אלא בפעולת קרופ (חיתוך התמונה).
אותו הדבר אם אתם מצלמים במצלמה מקצועית עם עדשת פריים. במידה ויש לכם עדשת זום, אתם יכולים להשתמש בזום של העדשה ולמלא את הפריים בנושא שלכם, גם אם מדובר בתקריב על הפנים בלבד. בתכלס, אם אין לכם סיבה מספיק משכנעת לצלם פורטרט עם גוף מלא, אז אין טעם לזה.

כמובן שאני מוציא מכלל הקשר את הדיוקן הסביבתי שרוב הזמן דורש צילום עם עדשות רחבות יותר ופריימים המקשרים את האדם לסביבתו. בתמונות כאלה, חשוב מאוד להכניס הרבה מהסביבה וזאת על מנת להציג לצופה את החיבור של המצולם עם הסביבה הטבעית בה הוא נמצא, אך גם כאן מומלץ שזה ייעשה במינון מדויק על מנת שלא ייכנסו אלמנטים מסיחי דעת לפריים ויגרעו מהסיפור שלו.

ליאור כלפון. צילום: תומר אלמקייס.

צעד מס' 2: חפשו ומצאו אור טוב.

אחד מההבדלים הברורים ביותר בין תמונות טובות לתמונות גרועות, זהו השימוש באור. הרבה צלמים מתחילים נוטים ליפול אל תוך ה"מלכודת" הזו מכיוון שהם מוצאים את עצמם רוב הזמן מצלמים בשעות הפחות טובות של היום, בתנאים של תאורה חלשה או שפשוט הם לא יודעים להתמודד נכון עם התאורה.

אז בטח אתם שואלים עכשיו "מהן השעות הכי טובות לצילום?"..

למעשה, ההשפעה הכי גדולה של השעה על הצילום שלנו זהו כיוון האור. בשעות הצהריים של ימי הקיץ, השמש נמצאת ממש מעל הראש שלנו ועלולה ליצור לנו צללים קשים מאוד ופחות רצויים.
במידה ואתם רוצים את השמש ולא את הצל, אז הפתרון הטוב ביותר הוא להגיע בשעה ידידותית יותר כמו שעות הבוקר או שעות אחה"צ שבהן השמש בזווית נמוכה ויוצרת תאורה מעניינת יותר והרבה יותר מפוזרת.

שעת הזהב זו שעה מאוד מומלצת לצילום והיא מגיעה אלינו פעמיים ביום. לראשונה היא מגיעה אלינו כרבע שעה לפני הזריחה ונמשכת כבערך שעה אחריה.
הפעם השנייה שהיא מגיעה אלינו היא כשעה לפני השקיעה ונמשכת כרבע שעה אחריה.
בשעה זו, שקרויה על שם האור הזהוב המלווה אותה, אתם תוכלו להשתמש בשמש כשמש צידית או אחורית ולצלם תמונות עם המון קסם רומנטי.

טיפ קטן: אל תחששו לצלם מול השמש. דווקא שם אתם יכולים לצלם את התמונות הכי מדהימות!

צילום: תומר אלמקייס.

צילום: תומר אלמקייס.

צילום: תומר אלמקייס.

אז סבבה וזה.. אבל יש מצב גדול שאתם רוצים בכלל לצלם תמונות טובות במהלך היום, גם אם מדובר בשעה 12:00 בצהריים.

אז אתם יכולים להיות רגועים, כי ניתן לצלם תמונות טובות גם בצהרי היום ולא חייבים לחכות לתאורה טובה עד הערב. מה שצריך זה לחשוב קצת, לראות את האור ולהבין אותו ולהתאמן על הדרכים שאיתם תוכלו להתמודד ולשפר את התאורה הנתונה.

לדוגמא: אם אתם מצלמים פורטרטים, אתם יכולים להכווין את המצולמים שלכם כך שהאור יהיה מכוון אליהם היטב. אתם יכולים גם לצלם באזור מוצל ובכך להרוויח אור רך. אתם יכולים לצלם בשמש ולהקפיץ את האור עם רפלקטור או להשתמש בפלאש חיצוני במידת הצורך והרצון.
בתכל'ס, אתם יכולים לעשות הכל, ואין באמת תאורה שהיא בלתי ניתנת להתמודדות.

בעבר כתבתי פוסט על 7 שימושים בתאורה טבעית שכל צלם חייב להכיר, אז כדאי לכם לעיין בו ואולי להתרענן בכמה טיפים חדשים.
בכל מקרה, צילום בצהרי היום הוא לא מסובך, רק צריך לדעת מה, למה, כמה ואיך.

באופן אישי, אני מאוד אוהב תאורה קשה. בעזרתה אני יכול לצלם תמונות קונטראסטיות ודרמתיות מאוד – דבר שפחות אפשרי כשמדובר בתאורה רכה ומפוזרת.

צילום: תומר אלמקייס.

צילום: תומר אלמקייס.

.

צעד מס' 3: תפתחו את סגנון הצילום שלכם.

פיתוח סגנון צילום אישי זה אחד משאיפותיו הגדולות ביותר של כל צלם, אך מדובר גם באחד ההישגים הקשים אם כי אפשריים בהחלט (לכל צלם). כשאני מדבר על סגנון צילום אישי, אני מדבר על מצב שבו תמונה מופיעה מולכם ואתם תדעו לזהות מיד מי הצלם שצילם אותה למרות ששמו לא יופיע בהקשר לתמונה.

הביטו בעבודותיהם של צלמים גדולים כמו ג'יימס נאכטוויי, אנסל אדאמס, אלכס ליבק, פליקס לופה ועוד רבים וטובים שעבודותיהם מסוגננות בסגנון צילום אישי וייחודי.

אני מניח שלרובכם יצא מצב של שוטטות תמימה באינסטגרם או בפיד של פייסבוק ופתאום ראיתם תמונה שמיד ידעתם מי צילם אותה למרות שעדיין לא ראיתם את השם שלו. אם זה קרה לכם, כנראה שלאותו צלם יש סגנון צילום אישי.

אז איך אתם יכולים להגדיר את סגנון הצילום האישי שלכם?

למעשה, זו שאלת השאלות ואין ממש משהו מוגדר לכך. אצל צלם אחד יהיה מדובר באור ייחודי שהוא תמיד מחכה לו או יוצר אותו, אצל צלם אחר יכול להיות מדובר ברגעים מכריעים שהוא יודע לשים לב אליהם ואצל מישהו אחר זה יכול להתבטא בקומפוזיציות ייחודיות, בצבעים, בקונטראסט, בבחירת נושאים ייחודיים, באופן העיבוד וכדו'.

זכרו כי סגנון צילום אישי, כשמו כן הוא. הוא אישי. והוא רק שלכם. אם תנסו לחכות סגנון של מישהו אחר אז יהיה לכם קשה מאוד לפתח סגנון צילום משלכם.

הדרך הכי טובה לפיתוח שפה צילומית אישית היא לצלם הרבה סדרות של תמונות ולדאוג לכך שהן תהיינה מצולמות כולן בהקשר של אותו סיפור, מאותה נקודת מבט, באותו אופי של אור וכדו'.. בדרך הזו אתם תלמדו על עצמכם למה אתם מתחברים הכי הרבה, מה מושך אתכם יותר ומה פחות, והכי הכי חשוב – זו עבודה קשה אך משתלמת!
מה שחשוב עוד יותר מזה – המטרה היא לא ליצור תמונות זהות, אלא תמונות שנראות כאלה שצולמו על ידי אותו צלם.

הנה סדרת תמונות המתעדת את הלידה של ביתי הגדולה, אלינור, מאחורי הקלעים.

צילום: תומר אלמקייס.

צילום: תומר אלמקייס.

צילום: תומר אלמקייס.

צילום: תומר אלמקייס.

ואם בא לכם לראות סדרת תמונות נוספת, אתם מוזמנים להיכנס לסדרה שעשיתי על האנשים השקופים של דרום תל אביב.

סיכום

אם אתם צלמים בתחילת דרככם, זכרו כי לוקח זמן להגיע למצב שבו אתם ב-100 אחוזי שליטה על הצילום שלכם ברמה מקצועית, ואתם צריכים להיות סבלניים אך יחד עם זאת לא לחכות שזה יגיע לבד. אצל אנשים מסוימים זה יכול להיות עניין מהיר ואצל אחרים זה יכול להיות איטי יותר. פשוט תזרמו עם הקצב שלכם ואל תלחצו על עצמכם. בסופו של דבר, פיתוח מיומנויות בצילום דורש המון זמן של תרגול בפועל.

לכן, העצה האחרונה שלי אליכם היא שתשקיעו כמה שיותר זמן בבילוי לצד המצלמה שלכם. ככל שתצלמו יותר, כך תהיינה לכם יותר הזדמנויות לבחון את התמונות שלכם לעומק, ללמוד אותן, לשאול שאלות על הדרכים שבהן אתם יכולים לשפר את התמונות שלכם ובעיקר ללמוד וללמד את עצמכם.

עד כאן להיום, חברים. שוב תודה שקפצתם לבקר כאן 🙂

אם אהבתם את הפוסט, אתם מוזמנים לשתף אותו בשמחה דרך כפתורי השיתוף המופיעים כאן.

ועכשיו אני רוצה להתלהב קצת ולספר לכם שזהו הפוסט ה-70 (כן, כן, זה מטורף) שכתבתי מאז שהבלוג עלה לאוויר אי שם בינואר 2016, אז אני מזכיר לכם שחוץ מהפוסט הזה, ממתינים לכם 69 פוסטים נוספים הזמינים לקריאה. פשוט לחצו על הלוגו שלנו בראש הדף ותגיעו לשם.
ואם עדיין לא נרשמתם לניוזלטר שלי, אתם מוזמנים לעשות זאת כעת ולהיות מעודכנים תמיד על כל פוסט חדש שעולה לאוויר.

אז נתראה בפוסט הבא 🙂

קורסי צילום ועיבוד תמונה בנקודת מבט:

עדשות רחבות והשפעתן על הצילום שלכם

אם אתם עדיין מצלמים עם מצלמת פוקט או דמוי SLR כלשהי, אז יש מצב גדול שאתם עדיין לא מבינים את משמעות המונח אורך מוקד והשפעתו על הצילום שלכם. אם אתם מצלמים במצלמה בה ניתן להחליף עדשות, אז סביר להניח שיש לכם לפחות הבנה בסיסית בנושא.

מה שכן, לא מעטים המקרים בהם אני נתקל בצלמים שלא ממש יודעים מה הם עושים ואין להם מושג על פי מה לבחור באורך המוקד הרצוי בהתאם לסיטואציה, לתנאים ולנסיבות.

כך או כך, לא משנה אם אתם צלמים מתחילים, חובבים או מקצועיים, בפוסט הזה אני אתן לכם סקירה כללית על משמעות המושג אורך מוקד, ואציג בפניכם את הסיבות הראויות שבגללן תרצו לצלם בעדשה רחבת זווית.

אז מה זה אורך מוקד?

כמו בתחילת כל פוסט טכני, אני משתדל תמיד ליצור יישור קו בין אלו שמבינים יותר לאלו שמבינים פחות.

באופן כללי, המונח "אורך מוקד" מתייחס לשדה הראיה של העדשה. ישנם צלמים שיתייחסו לאורך המוקד כאשר הם צריכים או מעוניינים לראות את הנושא שלהם קרוב יותר.

אורך המוקד נמדד ב-MM כאשר מספרים קטנים מציינים אורך מוקד קצר (עדשה רחבת זווית), ומספרים גדולים מציינים אורך מוקד ארוך (עדשה צרת זווית או עדשת "טלה"). ה-MM מציינים מדידה בפנים העדשה והם מתייחסים למרחק שבין המרכז האופטי של העדשה למשטח המיקוד, שזה בעצם החיישן. זאת אומרת שאם אתם מצלמים באורך מוקד 35 מ"מ – זה אומר שהמרחק בין החיישן למרכז האופטי של העדשה הוא 35 מ"מ.

יתכן ותמצאו את המידע הזה כלא שימושי עבורכם מכיוון שאם נדבר גלויות, רובנו (אם לא כולנו) לא באמת לוקחים סרגל ומודדים את המרחק הזה.. מה שכן, תמיד טוב לדעת איך דברים עובדים 🙂

לצורך העניין, יספיק לכם להשתמש במונחים "עדשה רחבה", "עדשת Normal" או "עדשת טלה" ולזכור שככל שהמספר קטן יותר  מ-50 מ"מ – מדובר בעדשה רחבה, וככל שהוא גדול יותר מ-50 מ"מ – מדובר בעדשה צרה.
50 מ"מ – זהו אורך מוקד NORMAL המדמה את שדה הראיה של העין האנושית.

אם אתם מצלמים במצלמת פוקט כלשהי, אז יתכן מאוד שהמונח "אורך מוקד" מופיע לכם כ- זום 8X, זום X32 או משהו בסגנון. זוהי דרך אחרת להציג את הנושא והיא פונה בעיקר לאנשים שאינם צלמים או לצלמים חובבים.

מתי רצוי להשתמש בעדשה רחבה?

ישנן מספר סיבות שלפיהן אנחנו נחליט באיזה אורך מוקד לצלם.

הסיבה הראשונה קשורה למרחב הצילומי שלנו, ועד כמה הוא מאפשר לנו להיות גמישים עם אורכי המוקד.

צולם באורך מוקד 20 מ"מ. צילום: תומר אלמקייס.

הסיבה השנייה קשורה לנושא התמונה ולאופי שהיא צריכה להעביר. לדוגמא, בצילום נוף אנחנו לרוב נרצה להציג מרחב גדול, לכן צלמי נוף אוהבים עדשות רחבות במיוחד.

צולם באורך מוקד 24 מ"מ. צילום: תומר אלמקייס.

בתמונות אלו, קיימת התחושה של שטח פתוח ורחב מאוד, וזה תמיד עובד בתמונות מהסוג הזה.

אבל מה קורה אם אתם בסיטואציה שבה יש לכם אפשרות לצלם באיזה אורך מוקד שתרצו? על פי מה תבחרו את אורך המוקד המתאים עבורכם?

אם כן, הסיבה השלישית היא: פרספקטיבה.
אה, ועד כמה אתם רוצים להיות קרובים לנושא שלכם, שזה בעצם דבר שמאוד תלוי באורך המוקד.

ציולם באורך מוקד 35 מ"מ. צילום: תומר אלמקייס. צולם באורך מוקד 35 מ"מ. צילום: תומר אלמקייס.

כשאתם תצלמו עם עדשה רחבה ותתקרבו לנושא שלכם, משהו מדהים יקרה. התמונות שלכם יביעו רגש ותחושות ויספרו סיפור, ולצופה תהיה התחושה שהוא נוכח בעצמו בסיטואציה.

צולם באורך מוקד 20 מ"מ. צילום: תומר אלמקייס.

זה קורה מכיוון שעדשה רחבה יוצרת עיוות של המרחב. תחשבו שהיא בעצם לוקחת את כל מה שאנחנו רואים באופן טבעי וכמו מכווצת אותו אל תוך התמונה. התוצאה היא שאנחנו רואים הרבה תוכן בתמונה אבל כל מה שרחוק מאיתנו הופך להיות קטן מאוד.

אבל מה קורה עם מה שקרוב אלינו?

ובכן, מה שקרוב אלינו הופך להיות גדול ומועצם יותר ועל ידי כך נוצרת לנו פרספקטיבה גדולה ומעניינת.

צולם באורך מוקד 24 מ"מ. צילום: תומר אלמקייס.

עיוותים אופטיים בעדשות רחבות

בשימוש בעדשה רחבה במיוחד, אם נהיה קרובים לנושא שלנו, אנחנו עלולים ליצור עיוות שלא יחמיא כלל לנושא ואולי גם לא יחמיא לתוצאה שאנחנו רוצים לקבל. לכן, בשימוש בעדשות רחבות אנחנו צריכים להיות זהירים אם אנחנו לא מתכננים לקבל עיוות מהותי.

העיוות המתלווה לעדשות רחבות (וגם בעדשות טלה) נקרא בעגה המקצועית "עיוות אספרי". בעדשות רחבות הוא מגיע כעיוות "חבית"  ובעדשות צרות הוא מגיע כעיוות "כרית מחטים" (נקראים כך בשל צורתם האופיינית).

עיוות "חבית" מוגזם בעדשת עין הדג. צילום: תומר אלמקייס.

בצילום של אדם מקרוב עם עדשה רחבה אנחנו נקבל עיוות "חביתי" שיגדיל את האף של המצולם ויעגל לו את הראש (בדומה להתבוננות מבעד עינית של דלת). באופן כללי, בצילום של אובייקטים מקרוב מאוד, אנחנו נגדיל אותם ונעוות אותם בו זמנית.

אז מתי אתם כן יכולים להשתמש בעיוות הזה לטובתכם?

אמנם צלמים רבים נרתעים מעדשות רחבות בגלל העיוות שהן יוצרות, אך בהחלט ניתן להשתמש בעיוותים אלו לטובתנו.

נניח שאתם מצלמים סיטואציה ואתם רוצים להפוך אותה ליותר גדולה ממה שהיא במציאות.. תוכלו להשתמש בעדשה רחבה על מנת "להגדיל" את המרחב שלכם ולהגזים ביחסי המרחק בין אובייקטים.

אז לצילום אנשים מקרוב זה אולי לא יתאים (אלא אם כן זו תמונה הומוריסטית), אבל לצילום נוף זה יכול להתאים, ואם תדאגו להכניס אובייקטים בחזית הפריים, אתם תוכלו ליצור תחושה של עומק חזותי מטורף בגלל ההגזמה במרחק בין האובייקטים.

קצת הומור לא יזיק פה. צילום: תומר אלמקייס. הכניסו אלמנטים בקדמת הפריים. צילום: תומר אלמקייס.

צלמי אדריכלות נוהגים להשתמש בעדשות רחבות מאוד מכיוון שבעזרתן הם מציגים את הנכס בצורה המחמיאה לו ביותר, כשהכל נראה גדול יותר מאשר במציאות.

צילום: אביב קורט. צילום: אביב קורט.

סיכום

עדשות רחבות הן באמת אתגר לצלם. הן עלולות להיות משעממות ועשויות להיות הדבר הכי מדהים שיש לכם בתיק הצילום שלכם. הכל מתחיל ונגמר באופן השימוש.

כדי להשתמש ביכולותיה של העדשה  הרחבה, אנחנו נצטרך להתקרב מאוד לנושאים שלנו, אחרת אנחנו נמצא את עצמנו עם תמונות משעממות, שטוחות וחסרות עומק ויזואלי.

אם אתם צלמים של סיפור ורגש ואין לכם עדשה רחבה, קנו לכם אחת כזו ותתחילו להתקרב לנושאים שלכם.
מילה שלי שתגלו עולם חדש 🙂

זהו להיום, חברים.

אם אהבתם את הפוסט, אתם מוזמנים לשתף אותו בשמחה לכל אלו שימצאו בו עניין דומה לשלכם. וכמובן להירשם לניוזלטר ולהיות הראשונים לדעת על כל פוסט חדש שיוצא לאור.
אם עדיין לא נרשמתם כמובן..

אז נתראה בפוסט הבא 🙂

 

5 סיבות לכך שאתם צריכים עדשת פריים בתיק הצילום שלכם

אין ספק שעדשות זום הן פתרון מעולה כאשר מדובר בנוחות של הצלם. הן מביאות איתן מגוון רחב של אורכי מוקד, וכל שעל הצלם לעשות הוא להזיז את פרק כף ידו על מנת לשנות אורך המוקד של העדשה.

יחד עם זאת, עדשות הזום דורשות איזושהי פשרה מבחינת איכות התמונה. לצורך השינוי באורכי המוקד, העדשה מכילה קבוצות של אלמנטים שזזים קדימה ואחורה בזמן ביצוע הזום, ולכל תזוזה כזו יש השפעה אופטית על התמונה שלנו.
לרוב, הנפגעת העיקרית היא החדות של התמונה אך לעתים יוקצנו גם עיוותי החבית (בטווח הקצר), עיוותי כרית המחטים (בטווח הארוך), החשכת פינות הפריים והסטייה הכרומטית (CA).

לעומתה, עדשת הפריים היא עדשה בעלת אורך מוקד אחד. עדשות מסוג כזה מתאפיינות לרוב באיכות אופטית מצוינת ובצמצמים פתוחים מאוד. מלבד היתרונות האופטיים המצויים בה, קיימים גם היתרונות הפסיכולוגיים והאמנותיים שגם עליהם נדבר היום.

השאלה הנשאלת ביותר היא האם שווה לוותר על הגמישות הרבה של עדשת הזום לטובת האיכות של עדשת פריים?
אז כמובן שבראש ובראשונה הכל צריך להיות תואם לצרכים שלנו כצלמים, ומכיוון שאנחנו רוצים ארסנל מושלם של ציוד אנחנו שואפים לכסות את כל הטווחים שאנחנו צריכים.

הפתרון הבסיסי ביותר לכיסוי טווח רחב של אורכי מוקד – היא עדשת הזום, כמובן. זו בסך הכל בחירה די הגיונית וגם חסכונית, אך יחד עם זאת אני חושב שגם אם 100% מהצרכים שלכם מצריכים עדשת זום, עדיין חשוב שלכל צלם תהיה לפחות עדשת פריים אחת בתיק.

אז אתם בטח שואלים: מה כל כך מיוחד בעדשת פריים? ולמה היא תהיה לנו טובה כל כך?
יש לא מעט סיבות לכך, אבל העיקרית שבהן היא לימודי צילום, כי עם עדשת פריים אנחנו לומדים הרבה יותר טוב, הרבה יותר יעיל והרבה יותר מהר!

אם כן, בחלק הראשון של הפוסט ריכזתי עבורכם 5 סיבות מהותיות לכך שגם אתם צריכים לפחות עדשת פריים אחת בתיק הצילום שלכם.
בחלקו השני של הפוסט אתן לכם מס' טיפים שיעזרו לכם לרכוש את עדשת הפריים הבאה שלכם.

1. הצמצם פתוח לרווחה.

אחד היתרונות הבולטים בעדשות פריים היא שמדובר בדרך כלל בעדשות מהירות – והכוונה היא לעדשות עם מפתח צמצם מרבי גדול המאפשר צילום במהירויות תריס מהירות יותר.

לצורך ההשוואה – בעדשת זום/קיט אופיינית כמו 18-55 שכולכם מכירים, הצמצם הוא F3.5 בטווח הקצר ביותר (18mm) ו-F5.6 בטווח הארוך ביותר (55mm). ישנן עדשות זום בעלות מפתח צמצם מקסימאלי של 2.8F וישנן את עדשות הפריים ש-להן יש מפתחי צמצם פתוחים יותר באופן משמעותי כמו F1.2 (בקנון), F1.4, או F1.8 בהתאם לדגם העדשה.

נשמע מפתה? אני מניח שכן..

בתנאי תאורה לקויים, עדשת פריים בעלת מפתח צמצם גדול עשויה "להציל" אתכם בהרבה מקרים שבלעדיה הייתם נאלצים לצלם במהירויות תריס איטיות או פשוט להעלות את ערך ה-ISO ככל הניתן.
עדשות פריים יכניסו לכם הרבה יותר אור לחיישן, תוכלו לצלם במהירויות תריס הגיוניות גם בתנאי תאורה לקויים, תשתמשו בערכי ISO נמוכים יותר ותצלמו תמונות נקיות יותר מרעשים.

מעבר לעובדה המצילה הזו שהיא יתרון בפני עצמה, יש את יתרון עומק השדה הרדוד שאנחנו כל כך אוהבים. הצמצמים הפתוחים הקיימים בעדשות הפריים מאפשרים לנו לטשטש את הרקע בתמונות באופן כזה שנוכל ליצור תמונות מעניינות גם כאשר הרקע עמוס ומסיח את הדעת.

צילום: תומר אלמקייס.

צילום: תומר אלמקייס.

חשוב לדעת שכאשר מדובר בצילום באור יום, לא תמיד תוכלו לצלם במפתח הצמצם המרבי של העדשה שלכם מכיוון שמפתח כזה מכניס המון אור, מה שידרוש מכם לצלם במהירויות תריס גבוהות מאוד שלא קיימות בכל המצלמות, ולפעמים גם על ערכי ISO נמוכים.

באופן אישי, כשרכשתי את המצלמה האחרונה שלי, דאגתי לכך שיהיו בה מהירות תריס מקסימאלית 1/8000 ורגישות מינימאלית של ISO-64. אלו מאפשרים לי לצלם בצמצמים פתוחים מאוד גם בשמש של אחר הצהריים.

אם בכל זאת המצלמה שלכם מוגבלת למהירות תריס מקסימאלית של 1/2000 או 1/4000, תמיד תוכלו להרכיב פילטר ND על העדשה, ובכך להקטין את כמות האור הנכנסת אל החיישן ולאפשר לעצמכם לצלם עם צמצמים פתוחים יותר.

דבר נוסף שלא הרבה מתייחסים אליו – צמצם פתוח בעדשה מאפשר לכם צפייה בהירה יותר בעינית המצלמה וגם מאפשרת למערכת הפוקוס לבצע פוקוס מדויק יותר בתנאי תאורה לקויים.

2. הגודל לא קובע.

ועדשות פריים הן ההוכחה לכך. עדשות זום תמיד תהיינה גדולות וכבדות יותר מעדשות הפריים, והן תמיד נותנות תחושה של משהו מאוד מקצועי ואיכותי. מה שהרבה לא יודעים זה שהן מכילות אלמנטים רבים, אז יש סבירות גבוהה יותר שמשהו עלול להשתבש.
זה קצת פחות בעיה כאשר מדובר בעדשות זום מקצועיות ואיכותיות מכיוון שהן בנויות לרוב על הצד הטוב ביותר אך זה תמיד יהפוך אותן ליקרות יותר וגם לפגיעות יותר בהשוואה לעדשות הפריים, כך שזה בהחלט נתון לשיקול.

3. איכות תמונה טובה יותר.

כל מי שמצלם בעדשות פריים יגיד לכם שהן מייצרות תמונות חדות, ברורות ומדויקות יותר. יתכן שחלק מהצלמים לא יסכימו עם טענה זו, אך זה בהחלט הגיוני שפחות אלמנטים בתוך העדשה יפחיתו הבהקים, סטייה כרומטית ושאר עיוותים.

למי שלא יודע, סטייה כרומטית (CA) זו סטייה אופטית שבה העדשה מתקשה למקד את ספקטרום הצבעים אל אותה נקודת התכנסות. היא מתבטאת בשוליים צבעוניים בגבולות המפרידים אזורים בהירים ואזורים כהים בתמונה והנטייה שלה להופיע המון בעדשות באיכות נמוכה. בדרך כלל זה קורה בשילוב של אורך מוקד ארוך (טלה) יחד עם צמצם פתוח.
אז לטכנולוגיה בת ימינו כבר יש שיפור משמעותי בתחום, אך עדשות הפריים מעלימות את הסטייה כמעט לחלוטין.

יתרון נוסף לעדשות הפריים – היא יודעת לעשות עבודה טובה בשמירה על החדות גם בקצוות הפריים.

4. קלה לנשיאה ולאחיזה.

מתי הייתה הפעם האחרונה שבה הוצאתם את המצלמה מהתיק, צילמתם תמונה או שתיים והחזרתם את המצלמה לתיק?

עניתם נכון, אין אחת כזו. רובנו מבלים שעות בחברת המצלמה שלנו ולא דקות ספורות. רק בצילום חתונה אני מחזיק את המצלמה/ות עליי בסביבות 12-13 שעות. כשעבדתי עם עדשות זום, זה היה מאוד מאוד כבד ולא נח! דמיינו כתף אחת עם 70-200 וכתף אחת עם 24-70.. יחד עם המצלמות והפלאשים זה בסביבות 5-6 קילו שאני סוחב עליי יום שלם. זה מטורף!

כשעשיתי את המעבר לעדשות פריים, זה נהיה לי הרבה יותר קל. כבר אין כאבי כתפיים וגב אחרי חתונה, ואני גם לא נכנס יותר באנשים ומבקש "סליחה".

עם מעט חלקים נעים בתוך העדשה, עדשות הפריים נוטות להיות קלות יותר מעדשות הזום. באופן טבעי הן לרוב גם קטנות יותר, כך שהן לא בולטות מהגוף והן גם לא מאיימות על המצולמים שלכם.

5. מגבירה את היצירתיות.

אחת העובדות המסקרנות יותר בעדשות הפריים, היא העובדה שעובדים איתן הרבה יותר קשה!
כן, הרבה יותר קל לעבוד כשאתה עומד במקום ומסובב טבעת זום אבל זה קצת מקבע אותנו כצלמים ומרגיל אותנו לדפוס חשיבה וראיה צילומית מסוימת.

עדשת פריים תזיז אתכם ממקומכם ותגרום לכם להפעיל את המח היצירתי שלכם.
סליחה, היא לא תגרום לכם. היא תכריח אתכם.

במילים פשוטות יותר, אם אתם תזוזו במרחב שלכם אתם פשוט תחשבו על מיקום המצלמה והקומפוזיציה באופן מדויק יותר.

אני לא אומר שמי שמתקרב אל הנושא שלו עם זום הוא עצלן מכיוון שיש הרבה מקרים שבהם עדשת זום היא הדרך היחידה לצלם תמונות טובות. מה שאני אומר זה שאם תחזיקו עדשת פריים בתיק שלכם ותצלמו איתה מדי פעם, אתם תוכלו לשפר את היצירתיות שלכם למקום שעדשת זום לא יכולה להביא אתכם אליו.

לא מאמינים לי? יש לי טסט בשבילכם.

בפעם הבאה שאתם יוצאים לצלם, השאירו את עדשת הזום שלכם על אורך מוקד אחד שעליו תחליטו, ותצלמו ככה במשך סט צילומים שלם. אתם תגלו באופן ודאי שאתם עובדים קשה יותר, אבל אתם גם תגלו שזזתם יותר, שהתקרבתם יותר לנושא שלכם ושבסופו של דבר הוצאתם מעצמכם הרבה יותר.

אז איזו עדשת פריים מומלץ לקנות?

לאחר שהקשבתם ליתרונות שבעדשות הפריים, יתכן שלחלקכם נסגרה פינה בנוגע לקנייה, ויתכן שלחלקכם זה הדליק עוד איזשהו פיוז. כך או כך, אם בגללי (או אולי בזכותי) אתם תלכו מחר לרכוש עדשת פריים, אני לפחות רוצה לדאוג לכך שתעשו את הבחירה הנכונה עבורכם.

אחד הדברים הטובים יותר בשימוש בעדשות פריים זה מגוון העדשות העומדות לרשותכם. אלמלא היו לי עדשות פריים, סביר להניח שהייתי מסתובב היום עם 2 עדשות זום שסוגרות לי את כל הפינות, אך עם פריים זה לא כך. בסט צילום אחד אני משתמש עם 4-5 עדשות שונות, ונהנה מכל אחת בפני עצמה, מה שמגביר לי את היצירתיות ואת זריקות האדרנלין.

בואו ניקח בחשבון שכרגע אתם מצלמים בעדשת זום ואתם רוצים להוסיף עדשת פריים אחת לתיק שלכם, ושהיא גם תהיה לכם שימושית..

האופציה היעילה והזולה ביותר שמתאימה לכולם היא עדשת 50 מ"מ שקיימת בגרסת ה-1.8F ובגרסת ה-1.4F (יקרה יותר).
50 מ"מ הוא אורך מוקד הזהה לטווח הראיה של העין האנושית. הוא אינו משנה את הפרספקטיבה של המציאות ולכן יש לו שימושים רבים, החל מצילום רחוב, נוף או פורטרט.

אם אתם מצלמים במצלמת קרופ, אז עליכם לקחת בחשבון שבאורך מוקד 50mm התוצאה תהיה באזור ה-75 מ"מ, כך שאם 50 מ"מ זה אורך המוקד שאתם רוצים, אתם תצטרכו לרכוש 35mm.

אם אתם אוהבים להתקרב לנושאים שלכם ולקבל תמונות עם עומק ויזואלי עשיר, אז 35mm או 24mm יעשו את העבודה.
שוב עליכם לזכור את עניין הקרופ ולנהוג בהתאם.

אם אתם אוהבים לצלם את התמונות שלכם מרחוק, אז עדשת טלה כמו 85mm או 100mm יעשו את העבודה.
אני ממליץ לכם לקרוא גם את הפוסט שכתבתי על העדשה 85 מ"מ 1.8F.

לחצו כאן כדי לדעת עוד על עדשות ועל נושא הקרופ.

סיכום

היו לי לא מעט עדשות ב-10 השנים האחרונות. ב-7 שנים מתוך ה-10 אני צילמתי בעדשות זום בלבד. לפני 3 שנים קניתי 50 מ"מ F1.8 ובאותו רגע התאהבתי (!), אבל יותר מאיך שהתאהבתי, אני הייתי מאוד מופתע מעצמי – איך חייתי 7 שנים בלעדיה?

היא זולה, היא קטנה, היא פשוטה, אבל היא איכותית כמו עדשה שעלתה לי 7000 ש"ח. זו ההרגשה שהרגשתי באותו רגע.

אז הבנתי.
הבנתי שבזבזתי זמן במחשבות לא נכונות, ולא איחר להגיע היום שבו החלפתי את כל העדשות שלי לעדשות פריים. הייתי חייב שהאיכות הזו תופיע בכל התמונות שלי ולא רק בחלקן.

אז אולי אתם לא מעוניינים להיות משוגעים כמוני, אבל אני בהחלט ממליץ לכם להחזיק לפחות עדשת פריים אחת!!!
50 מ"מ (או 35 בקרופ) תעלה לכם כמה מאות בודדות של שקלים, היא תמיד תהיה שם בשבילכם והיא גם תשמש לכם כעדשת גיבוי מעולה.

חברים, כיף גדול שקראתם אותי.
אם אהבתם את הפוסט, אתם מוזמנים להשתמש בכפתורי השיתוף ולשתף אותו בשמחה לאלו שימצאו בו עניין דומה.
יש לכם סיבות נוספות שמצדיקות את עדשת הפריים בתיק? שתפו אותי בתגובות למטה.

אז נתראה בפוסט הבא 🙂

כך תצלמו תמונות פורטרט מושלמות בתאורת חלון בלבד

לפני מספר ימים נפגשתי עם מאפרת שרוצה לצלם את המאופרות שלה בצורה יעילה על מנת שתוכל לשתף את התמונות בפייסבוק באופן מיידי. הסתכלתי על התמונות שהיא צילמה עד היום, ומצאתי את עצמי מסביר לה מה טוב, מה לא טוב, ואיך היא תוכל לשפר את הצילום שלה גם אם היא לא צלמת מקצועית.

לאחר שדיברתי איתה מעט, הבנתי שהשעות שבהן היא מאפרת הן בדרך כלל שעות הצהריים, ושהאיפור נעשה בבית הלקוח – כך שאין לה מושג איזו תאורה נוכחת שם ואם היא תצליח להעלות כמה תמונות טובות בחכתה.

הרעיון הראשוני שלה היה לקנות פנסים ועמודי תאורה על מנת להאיר את המאופרות שלה.. עם כל הרצון הטוב, היא עדיין מאפרת והיא לא צריכה לסחוב לבית הלקוח גם ציוד צילום בנוסף לציוד האיפור. כך מצאתי את עצמי מסביר לה על האופן הטוב ביותר שבו היא יכולה לצלם אנשים עם מצלמה ועדשה בלבד, מבלי הצורך לסחוב פנסים או עמודי תאורה.

ואכן, צילום בתוך מבנים יכול להיות בעייתי במקצת אם אנחנו לא יודעים לראות ולהבין את האור. תנאי התאורה הם כמעט תמיד נמוכים וקשים להתמודדות, ולפעמים גם צבע האור משפיע מאוד על התוצאה הסופית.
יחד עם זאת, כאשר אנחנו מצלמים בתוך מקום מקורה, זה לא בהכרח אומר שאנחנו נצטרך עדשות יקרות, חצובה, או הוספת מקורות תאורה חיצוניים – למרות שאלו עשויים להוות יתרון.

למעשה, במהלך שעות היום הבהירות, אתם תוכלו לצלם תמונות מאוד טובות אם תצלמו בתוך הבית, ולפעמים גם הרבה יותר טובות מאלו שתצלמו בחוץ. הסיבה לכך היא שבשעות הצהריים המוקדמות השמש שופכת את האור שלה על העולם מלמעלה, דבר שיוצר לנו צללים קשים מתחת לעיניים ולאף, ותאורה קונטרסטית מאוד במידה ולא מדובר ביום מעונן.

כאשר אתם מצלמים בתוך מבנה, אתם יכולים להשתמש באור הטבעי, זה שנכנס מבעד לחלונות. אור זה הוא בדרך כלל אור עקיף (לא ישיר) והוא הרבה יותר קל לשליטה. אתם יכולים לחשוב עליו כעל סטודיו אישי משלכם שאינו מצריך מכם השקעה כספית וסחיבת ציוד.

אז איך אפשר לקבל את הטוב ביותר אך ורק מתאורת חלון? תמשיכו לקרוא 🙂

מה צריך?

לפני הכל, אתם צריכים חלון.. אבל לא סתם חלון.

החלון צריך להיות ממוקם במיקום טוב ביחס לשמש, וכמובן שלא יהיה עץ או בניין שיחסמו את האור מלהיכנס בחופשיות. כמו כן, רצוי שהחלון יהיה בגודל סביר. באופן עקרוני, ככל שהחלון יהיה גדול יותר, כך גם כמות האור והפיזור שלו יהיו גדולים יותר. דבר נוסף שאתם צריכים לבדוק זה את עצמת הריכוך של האור. אמנם זה לא תמיד עניין הכרחי, מכיוון שאם השמש לא מאירה אל תוך החלון באופן ישיר, אז האור כבר מגיע מפוזר ורך.
אבל מה באמת קורה אם השמש מאירה אל תוך החלון באופן ישיר? (קורה בשעות מסוימות, בהתאם למיקום השמש)

קודם כל, זה מעניין וזה יכול ליצור לנו תמונות מאוד מיוחדות. במיוחד אם לחלון יש תריס, וילון עם חורים/מרקמים וכדו'..

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

אבל אם בכל זאת אתם מעוניינים בתאורה רכה, אז תצטרכו לרכך אותה. תוכלו לעשות זאת באמצעות וילון חצי שקוף, בד כלשהו או באמצעות החלק החצי שקוף של הרפלקטור (אם יש לכם). זה לא ממש משנה מה אתם מציבים שם כדי לרכך את האור, אתם רק צריכים לוודא שהוא מוצב בין מקור האור לנושא שלכם. המטרה היא שהאור יעבור דרך אותו מקור ריכוך, ובכך הוא יגיע רך יותר אל המצולם שלכם.

אה, וגם רצוי שיהיה לבן. אלא אם כן בא לכם קצת אפקטים 🙂

צילום: תומר אלמקייס

חשוב לציין שתאורת חלון היא לא תאורה חזקה במיוחד, ולכן רוב הזמן אנחנו נצטרך לעבוד עם המינימום שעומד לרשותנו.. צמצם פתוח ככל האפשר ומהירות תריס נמוכה ככל האפשר, וזאת על מנת לספק כניסה מרבית של אור. במידה והגעתם לקצה גבול היכולת והתמונה חשוכה, אז אל תשכחו להשתמש ב-ISO על מנת לאפשר לחיישן להיות רגיש יותר לאור.

אתם יכולים גם להשתמש בחצובה על מנת לייצב את התמונות שלכם ולעבוד עם מהירויות תריס איטיות יותר מבלי הצורך להשתמש ב-ISO, אבל לדעתי זה מעט מסרבל כאשר מדובר בצילום פורטרט שבו התנועה שלנו צריכה להיות חופשייה ולא מוגבלת.

כיוון התאורה

אחד הדברים החשובים יותר שעליכם לדעת על תאורה טבעית זה שאת מיקום השמש אתם לא יכולים להזיז, ולכן אם תרצו כיווני תאורה שונים על המצולם שלכם, אז תצטרכו להזיז את המצולם פיזית ו/או לזוז בעצמכם ולשנות את זווית הצילום שלכם.

אחרי שהבנתם את העניין הזה, אתם צריכים להבין דבר אחד נוסף: אין סוגי תאורה או כיווני תאורה המחמיאים לכל אדם. לכל אדם יש תווי פנים אחרות וכן גם אופי אחר, ולכן כל אדם יצא טוב בדרכי הארה שונות.
יחד עם זאת, ישנם כיווני תאורה שמחמיאים ליותר אנשים וישנם כאלו שלפחות.
זה גם לא סוד שבעזרת האור אנחנו נוכל גם להמחיש מצבי רוח שונים, ולכן גם מאוד תלוי מהי עוצמת האור הטבעי והשפעותיו וגם מהו האור המאיר את החלל הפנימי ומהן השפעותיו.

אם אתם רוצים תמונה דרמתית, אז כבו את כל האורות שבחלל הפנימי ומקמו את הנושא שלכם קרוב לחלון. כאשר תעשו זאת, האור יאיר רק חלק מהמצולם שלכם בעוד שהחלק השני יישאר בצל ויתקבל כחשוך בתמונה שלכם.

צילום: תומר אלמקייס

על ידי תזוזות קטנות של המצולם, אתם תוכלו לשלוט באזורים שבהם ייפול האור על פני המצולם שלכם ובכך להחליט אם אתם רוצים חצי פנים מוארות וחצי פנים מוצלות, או שאתם רוצים זווית הארה המאירה מעט גם את חצי הפנים השניות.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

אם אתם מרגישים שהאור הוא קונטרסטי מדי בשבילכם או בשביל התוצאה שבה אתם מעוניינים, אז אתם יכולים להדליק את האורות בחדר. אלו יעזרו לכם להתגבר על הצללים הכהים, אך עליכם לזכור שטמפרטורת האור המלאכותי שבחדר אינה זהה לרוב לטמפרטורת אור השמש, ולכן זה יכול ליצור לכם בלבול באיזון הלבן.
נורת הטונגסטן תפיק לכם אור בגוון צהוב, ונורת הפלואורסצנט תפיק אור בגווני כחול/ירקרק. שני סוגי תאורה אלו עלולים להיות לא מתאימים לצילום שלכם כאשר הם משולבים עם האור הטבעי, ולכן זה יהיה לכם יעיל אם אתם מתכננים להמיר את התמונות שלכם לשחור לבן, או במידה שאתם בכוונה רוצים שילוב של תאורות בצבעים שונים בתמונה שלכם.

צילום: תומר אלמקייס

דרך נוספת שתוכלו למלא צללים בעזרתה, היא שימוש ברפלקטור. רפלקטור הוא משטח כסוף/זהב/לבן שמטרתו להחזיר אור. הניחו את הרפלקטור מול החלון והשתמשו בו כדי להחזיר את האור המגיע מהחלון אל האזור המוצל של המצולם שלכם. לרוב, זה יספיק לכם.

לחלופין, אתם יכולים למלא את הצללים עם מנורה חזקה שטמפרטורת הצבע שלה אינה שונה מזו של השמש (K5500). יש נורות רציפות המגיעות בטמפרטורה זו, אך לדעתי הדרך הטובה ביותר היא שימוש בפלאש מחוץ למצלמה מכיוון שטמפרטורת הפלאש זהה לטמפרטורת השמש, וגם העוצמה שלו חזקה מאוד.

אפשרות נוספת היא למקם את המצולם שלכם מול החלון, ואת עצמכם תמקמו בין החלון לבין המצולם – אבל לא ממש במרכז כדי שלא תחסמו את האור. זה ייתן לכם הארה קדמית ונטולת דרמה על הנושא שלכם, אולם מוטב שתדעו כי זו תהיה תאורה שטוחה ולרוב גם משעממת.

באמצעות אור החלון ניתן גם ליצור תמונות סילואט (צללית) מעניינות מאוד. כל מה שאתם צריכים זה למקם את המצולם שלכם ליד החלון, ואתכם מול החלון.. השתמשו במדידת אור נקודתית, תיקחו את קריאת האור מהרקע המואר שלכם ואתם מסודרים..
כמובן שלכבות את האורות בחדר זה מאסט.

צילום: תומר אלמקייס

במצב הזה, אם אתם רוצים נושא מואר, אז אתם צריכים לקחת בחשבון שהרקע יישרף לכם כמעט כליל בגלל ניגודיות התאורה.

צילום: תומר אלמקייס

את הדרכים שאיתן אפשר להאיר את הצללים כתבתי כבר למעלה (באמצעות רפלקטור, מנורה או פלאש), אבל דרך מעולה להכניס אור גם מהצד השני היא להשתמש בדלת. דלת שחשופה לאור יום בדרך כלל תהווה שטח גדול יותר מחלון, וכל מה שאתם צריכים זה רק לפתוח אותה ולהכניס עוד הרבה אור אל תוך החלל שלכם.

שלבו את החלון בקומפוזיציה שלכם

חלון הוא לא בהכרח רק מקור אור. הוא יכול להיות גם חלק מאוד חשוב מהתמונה שלכם בכלל ומהקומפוזיציה בפרט. אתם יכולים להשתמש בחלון כמסגרת טבעית לנושא שלכם, במיוחד אם החלון יכול להוות אלמנט מעניין.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

ושוב, אם אתם הולכים לעשות את זה כאשר החלון מוצב מאחורי המצולם שלכם אז תצטרכו לדאוג למילוי צללים במידה והרצון שלכם הוא לא תמונת סילואט.

צילום: תומר אלמקייס

דרך נוספת ויצירתית להשתמש בחלון היא דווקא להציב את עצמכם מחוץ לחלון. בדרך זו אתם יכולים ליצור תמונות מעניינות מאוד שבהן יש השתקפויות של כל מה קורה בחוץ, ולהוסיף עוד עניין לסיפור שלכם.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

כשאתם מצלמים מול החלון אתם צריכים לשים לב למספר דברים שיכולים להרוס לכם את התמונה אם אתם לא התכוונתם אליהם ולא שמתם לב אליהם.

  1. תעמדו בזווית לחלון, כך שאתם לא תצלמו את ההשתקפות של עצמכם.
  2. אם אתם בדרך כלל לא מנקים חלונות, אז הגיע הזמן.. לפחות בשביל הצילום 🙂 טביעות אצבע ומריחות אחרות על החלון, ייראו בצורה מאוד ברורה בצילום ויהיה קשה (על גבול הבלתי אפשרי) להסירן בעריכה.

צילום: תומר אלמקייס

כמה מילים לסיום

מה שיפה באור החלון זה שהוא נמצא לידנו המון, בשפע ובחינם. אנחנו לא צריכים לסחוב אותו, להחליף נורה, להטעין סוללות וכדו'.. הוא טבעי, הוא מתפזר באופן טבעי לחלוטין, והוא תמיד יהיה בצבע הנכון. בדיוק איך שאנחנו אוהבים אותו.

דבר נוסף שנורא מעניין זה שתאורת חלון היא מאוד קלה לשימוש, גם למשתמש החובב והמתחיל.
אז בפעם הבאה שאתם עוברים ליד חלון, תעצרו לרגע ותחשבו מה הייתם עושים איתו..

ויותר מזה – תעשו!

חברים, תודה לכם שקראתם אותי, אני מקווה שהייתי יעיל עבורכם גם הפעם..
אם כן, אתם מוזמנים לשתף את הפוסט הזה בשמחה ואהבה לכל אלו שימצאו בו עניין דומה לשלכם.

אז עד הפעם הבאה שנתראה,
תהיו יצירתיים 🙂

קרופ בצילום: 8 כללי ברזל לחיתוך נכון של תמונה

כבר יצא לי לדבר בבלוג על הצילום כשפה ויזואלית ועל קומפוזיציה, ואתם הבנתם שבעזרת שינוי קל של נקודת המבט ובעזרת בנייה של קומפוזיציה נכונה אנחנו נוכל לשנות את מראה התמונה ולספר את הסיפור שלנו. יחד עם זאת, לכולנו קורה שאנחנו מגיעים הביתה ועוברים על התמונות, ומוצאים שהקומפוזיציה לא מושלמת, שהתמונה עקומה, שאולי היינו יכולים להתקרב מעט יותר לנושא שלנו, או שאולי יכולנו לחתוך את הפריים באופן אחר ומעניין יותר..

חיתוך תמונה זו בעצם הדרך שלנו להחליט מה ייכנס לתוך הפריים ומה יישאר מחוצה לו. צלמים רבים בתחילת דרכם נוטים לא להניח את לבם על הפרט הכה חשוב הזה, הם לא יודעים מה חשוב להכניס לפריים ומה לא, או איפה נכון לחתוך את התמונה או את הנושא, ובהרבה מקרים זה יוצר להם תסכול רב מכיוון שחיתוך לא נכון עלול לגרוע ממראה התמונה הסופי ואף להביא למחיקתה.

לצורך העניין, הכנתי לכם את הפוסט הזה שמביא בפניכם 8 כללים בסיסיים לחיתוך תמונות נכון.

כלל מס' 1 – תחתכו טוב כבר בזמן הצילום

אחת הבעיות הנפוצות העומדות בפני צלמים היא שהם חוששים מלבצע חיתוכים ומשאירים את העניין הזה לאחר הצילום, בזמן העריכה / עיבוד. כבר ראיתי תמונות שצולמו עם עומס של פרטים, אך חיתוך נכון בזמן העריכה סידר את התמונה. מה שכן, כאשר אנחנו מסתכלים על תמונה בפייסבוק, אנחנו לא יודעים להעריך את הגודל המקורי שלה, ואיך היא הייתה נראית לפני חיתוכים ועריכה. הרבה צלמים מבצעים חיתוכים עמוקים אל תוך התמונה מבלי לקחת בחשבון את העובדה הפשוטה שהם פשוט זורקים המון פיקסלים לפח ולמעשה מקטינים את גודל התמונה.

כשאני מצלם עם כמות פיקסלים מסוימת, אני מצפה מעצמי להשתמש בכל הפיקסלים האלה לטובתי, ולזרוק כמה שפחות מהם (ומעדיף שבכלל לא). כדי שזה יקרה, אני צריך לבנות את התמונה שלי כבר בזמן הצילום ולא להסתמך על פוטושופ.
מה גם שאם אנחנו נצלם אובייקט מרחוק ואז "נתקרב" אליו באמצעות תוכנת העריכה, אנחנו נקבל תוצר שטוח למדי, בעוד אם היינו מתקרבים אליו פיזית, היינו מקבלים פרספקטיבה שונה למדי.

כלל מס' 2 – היעזרו בתוכנת עריכה

טוב, אני לא בא לסתור את עצמי מהסעיף הקודם.. אני עדיין חושב שצילום טוב צריך להתבצע כמה שיותר טוב בזמן הצילום, אבל כולנו בני אדם ולפעמים אנחנו שמים לב לדברים נוספים שמציקים לנו רק כאשר אנחנו צופים בתמונות במחשב.
בעוד שהפיתוי למחוק את התמונה הוא גדול, אתם צריכים לדעת שהמצלמות בנות ימינו מצלמות ברזולוציות גבוהות מאוד, ויש לנו את האפשרות לחתוך מעט מהתמונה על מנת לסדר אותה מחדש, גם לאחר מעשה.

אז אין ספק שלפני הכל אתם צריכים לצלם את התמונה כמו שצריך, ולשים לב לכמה שיותר פרטים כבר בזמן הצילום.. אבל אם בכל זאת עשיתם טעות, או שהתחרטתם על משהו, זה לא סוף העולם.. אתם יכולים תמיד להיעזר בתוכנת העריכה על מנת ליישר את התמונה או לחתוך אותה באופן אחר.

חיתוך קטן שעושה שינוי גדול. משמאל: התמונה לפני חיתוך. צילום: תומר אלמקייס

כלל מס' 3 – מצלמים פריימים סגורים מאוד ללא סיבה מוצדקת

אם אתם מודעים למה שאתם עושים, אז הכל טוב. אבל אם אתם לא מודעים, אז אתם יכולים למצוא את עצמכם בבעיה בלא מעט מהמקרים. אותה הבעיה שאני מדבר עליה קשורה (איך לא?) בחיתוך התמונה. אבל בחיתוך יתר של התמונה.. נתקלתי בהרבה תמונות שהנושא בהם כל כך גדול שהוא כמעט נוגע בקצוות הפריים. דמיינו פורטרט שבו רואים רק את הראש.. הצוואר חתוך, האוזניים נוגעות בקצוות הפריים, וכך גם קצה הראש. במצב כזה, האופציה היחידה שיש לכם היא רק לחתוך יותר..

בסעיף הקודם אמרתי לכם שתיעזרו בתוכנת העריכה.. במקרה שבו לא השארתם "אוויר" בקצוות הפריים, לא יהיה לכם כל כך מה לעשות.. אם יתמזל מזלכם, אז תוכלו לחתוך את התמונה ולקבל משהו אחר, אבל לרוב – חיתוך יתר בזמן הצילום יהרוס לכם את התמונה.

זיכרו! לחתוך תמיד אפשר, אך ליצור יש מאין זה פחות מיכולותינו האנושיות.

צילום: תומר אלמקייס

כלל מס' 4 – תמצאו את האיזון הנכון

חיתוך התמונה מתקשר בקשר ישיר לקומפוזיציה, והוא יכול לגרום לאיזון לא טוב של הפריים במידה והוא לא נעשה בצורה נכונה.

אותו האיזון שאני מדבר עליו מתקשר למיקום של האובייקטים בפריים ובתקשורת שלהם אחד עם השני. באופן אישי, מהיום הראשון שאני מצלם עם DSLR, אני נעזר ברשת (GRID) שבעינית המצלמה על מנת למקם את האובייקטים באופן מעניין, ולבנות את הפריימים שלי בצורה ישרה ומדויקת כמה שאפשר.

תקשיבו לחוקי הקומפוזיציה וחוק השלישים, שימו לב לקווים חוצים, לקווים אלכסוניים ולקווים מוליכים, ותקפידו למקם את הנושא שלכם במיקום מעניין. למרות שלא צריך ללכת שבי אחרי החוקים, יש להם המון מה לומר לנו.. ולנו יש המון מה ללמוד מהם.

הדוגמא הבאה ממחישה את החשיבות של חלוקה נכונה של הפריים והולכת העין ע"י קווים וצורות.

צילום: תומר אלמקייס

כלל מס' 5 – הימנעו מאלמנטים מסיחי דעת

אין דבר גרוע יותר מלחזור הביתה ולגלות שהתמונה המנצחת שצילמתם מתהדרת באלמנטים מסיחי דעת ברקע שכנראה לא שמתם לב אליהם בזמן הצילום.

במקרים מסוימים, כאשר האלמנטים מסיחי הדעת נמצאים בקצוות הפריים, חיתוך יכול לפתור לכם את הבעיה הזו. אם האלמנטים נמצאים בסמוך לנושא שלכם או מאחוריו, אתם כנראה תצטרכו ללמוד מספר טכניקות עריכה אחרות..

כלל מס' 6 – תנסו פורמטים חדשים

אתם אולי לא יודעים את זה, ואולי יש עוד לא מעט כמוכם, אבל לפורמט של התמונה שלכם ישנה השפעה רבה מאוד על התמונה ועל הסיפור שלה. לפעמים כל מה שחסר לנו זה רק להחליט על פורמט נכון של התמונה. הפורמט של התמונה זה בעצם היחס בין אורך התמונה לרוחב התמונה.

הפורמט הנפוץ היום במצלמות DSLR הוא יחס של 3X2 שזה פורמט מלבני מתון והוא מאוד יפה ומתאים לצילום סטילס. הפורמט במצלמות וידאו HD הוא 16X9, שזהו פורמט מלבני שמתאים מאוד לוידאו. היום רוב המסכים מגיעים בפורמט הזה, ולכן אם התמונות שלכם הולכות להיות מוצגות במסך – זה יכול להיות פורמט מעולה עבורן. בעבר נהגו להשתמש במצלמות 4X5 ו-6X6 שיצרו תמונות ריבועיות יותר. היום, במצלמות מסוימות ניתן להגדיר פורמטים אחרים, וישנן מצלמות ביתיות המגיעות בפורמטים שונים בהתאם לגודל החיישן והחלטות יצרן אחרות.

תנסו פורמטים שונים על התמונות שלכם, ואל תתקבעו רק על הפורמט שהמצלמה נותנת לכם. בהרבה מקרים, תמונה שהפכתי למרובעת (יחס של 1X1), תהיה חזקה יותר מהפורמט הקודם שלה.

יחס של 2X3. צילום: תומר אלמקייס

יחס של 16X9. צילום: תומר אלמקייס

יחס של 1X1. צילום: תומר אלמקייס

כלל מס' 7 – היו נועזים

חיתוך לרוב מסתיים בכך שאנו נפתרים מקצוות הפריים המיותרות, אך לעתים אנו יכולים להיות נועזים יותר ולהיכנס יותר פנימה, אל עומק הנושא שלנו, ולקבל תמונות מעניינות ומופשטות.

צילום: תומר אלמקייס

בדרך הזו אתם למעשה יכולים לקחת סצנה גדולה, לפרק אותה למלא מלא חתיכות קטנות ובעצם להתמקד על כמה סיטואציות שונות מאותו נושא.

לדוגמא:

במקום לצלם קבוצה שלמה של אנשים, אתם יכולים להתקרב אליהם ולהתמקד רק בסיטואציה מסוימת.

צילום: תומר אלמקייס

במקום לצלם פורטרט מלא של אדם, התקרבו אליו והדגישו את מה שבאמת חשוב..

צילום: תומר אלמקייס

במקום לצלם גוף מלא של אדם אתם יכולים לצלם רק חלק ממנו שיספיק כדי לספר את הסיפור.

צילום: תומר אלמקייס

האפשרויות הן באמת אינסופיות, אתם רק צריכים להיות יצירתיים..

כלל מס' 8  – אם החלטתם לחתוך באופן דיגיטלי, אז תאמצו את הכללים הבאים

צילום: תומר אלמקייס

  • לעולם אל תבצעו את חיתוך לתמונה לפני שיש לכם גיבוי לתמונה המקורית. אולי בעוד חודש אתם תרצו חיתוך אחר..
  • קחו את הזמן. ישנן דרכים רבות לחתוך תמונה, ושווה לכם לנסות מספר אופציות עד שתגיעו לתוצאה הרצויה.
  • כשמשנים את הפורמט של התמונה, זה יכול להפוך את ההדפסה לקשה ומורטת עצבים, במיוחד אם אתם מדפיסים במעבדות צילום, שם הם עובדים עם פורמטים קבועים מראש.
  • חיתוך תמונה עובד הכי טוב אם התמונה שלכם בנויה מהרבה פיקסלים. זכרו כי בחיתוך תמונה דיגיטלי אתם זורקים המון פיקסלים לפח, ולכן אם אתם מתחילים מראש עם כמות פיקסלים קטנה, אתם עלולים למצוא את עצמכם עם תמונה לא שימושית בעליל.
  • מסיבה זו בדיוק, אני מחזיר אתכם לסעיף מס' 1 שאומר לכם "תחתכו טוב כבר בזמן הצילום". אולי בהתחלה זה יהיה לכם קשה, אבל לאט לאט אתם תלמדו לצלם תמונות מדויקות מבלי הצורך לחתוך במחשב (או עם חיתוך קטן) אלא לצורך שינוי פורמט.

לסיום

חיתוך נכון של התמונה זה אחר הדברים החשובים יותר שאנחנו צריכים להתייחס אליהם בזמן הצילום על מנת שנוכל לבנות את התמונה שלנו נכון, תוך ניצול מלא של הרזולוציה שהמצלמה מאפשרת לנו. חיתוך תמונה דיגיטלי תמיד יגנוב לנו מהרזולוציה של התמונה וזה משהו שאנחנו חייבים להתייחס אליו כאשר אנחנו מבצעים חיתוך מהסוג הזה.

יחד עם זאת, אנחנו נמצאים בעולם דיגיטלי המאפשר לנו לבצע פעולות אינסוף על התמונות שלנו, והאפשרות לבצע חיתוך תמונה היא אחת מהן. אפשרות זו היא כלי עזר רב מאוד עבורנו, כאשר היא נותנת לנו מעין הזדמנות שנייה להחליט על הקומפוזיציה של התמונה.
אז אם אתם עדיין לא בטוחים בתוצאות שלכם בזמן הצילום, אני ממליץ לכם להגדיר את המצלמה שלכם על צילום ברזולוציה הכי גבוהה שהיא מאפשרת, כך שהחיתוכים שתבצעו אחרי זה במחשב לא יפגעו בכם.
הדרך הטובה ביותר לבצע חיתוך דיגיטלי היא באמצעות תוכנת עריכה מקצועית כמו פוטושופ או לייטרום, אך הרוב המוחלט של המצלמות מגיע היום עם אפשרויות עריכה בסיסיות, ביניהם אופציית החיתוך (Crop) שאתם יכולים לעשות מיד לאחר צילום התמונה.

עד כאן להפעם, חברים. אני מקווה שהפוסט הזה פתח לכם את הראש לכיוונים נוספים בצילום שלכם. אם אהבתם, אז אתם מוזמנים לשתף את הפוסט בשמחה דרך כפתורי השיתוף המופיעים כאן. בנוסף, אני שמח להודיע לכם שהוספנו לבלוג מנוע חיפוש פנימי שמאפשר לכם לחפש פוסטים לפי נושאים, לנוחיותכם. אני מקווה שתשתמשו בו בחוכמה.

אז עד הפוסט הבא, צאו לצלם ושתפו אותי בתמונות ובתגובות שלכם 🙂

קורסי צילום ועיבוד תמונה בנקודת מבט:

7 סיבות לכך שאתם צריכים עדשת 85mm f1.8 בתיק הצילום שלכם

שאלו אותי מספר פעמים 'מהי העדשה המועדפת עליי?'. מכיוון שאני רוצה לומר לכם את האמת, אז התשובה היא שאין לי תשובה. לכל עדשה בתיק שלי יש סיבה (אחרת, למה לסחוב סתם?), ולכן זה נורא קשה לי להחליט איזו עדשה היא המועדפת עליי. מה שכן, אני יכול לומר איזו עדשה מועדפת עליי בסוג צילום מסוים או בסיטואציה מסוימת.

ה-85 מ"מ f1.8 נמצאת אצלי בשימוש כבר 3 שנים. מאז שקניתי אותה היא הפכה להיות אחת מתוך 3 העדשות העיקריות שאיתן אני מצלם. מקובל לחשוב שעדשה זו היא עדשת פורטרטים מכיוון שלרוב משתמשים בה למטרה זו, אבל אורך המוקד המדהים הזה נותן לנו מצד אחד טווח טלה נהדר, ומצד שני הוא גם לא מגביל אותנו ברמות קשות, מה שמאפשר לנו שימושים נוספים איתה.
אני אוהב להשתמש בעדשה הזו לצילום פורטרטים, לצילומים תיעודיים מרחוק באירועים או בסיטואציות רחוב, או סתם כשאני הולך לטייל עם הילדה. בקיצור, העדשה הזו מדהימה, והיא ויכולה לשמש אתכם לא מעט.

ישנן מספר סיבות שבגללן אני כל כך אוהב את העדשה הזו, והיום אני רוצה לפרט לכם את הסיבות האלה על מנת שתבינו למה היא כל כך מדהימה, ולמה כדאי לכם לשקול להכניס אותה לתיק שלכם.

העדשה שבבעלותי היא אמנם עדשה של חברת ניקון, אך ניתן לייחס את הכתוב גם לבת דודתה הקנוניסטית.

סיבה מס' 1 – היא איכותית וחדה מאוד!

בפעם הראשונה שהרכבתי את ה-85 מ"מ על המצלמה שלי, מיד שמתי לב לחדות שלה.
כידוע, שברוב העדשות, מפתחי הצמצם הפתוחים ביותר לא מנצלים ב-100% את האיכות של העדשה, אך כאן זה מעט שונה. העדשה הזו חדה מאוד גם במפתח הצמצם הכי פתוח שלה. אמנם, גם כאן העדשה לא משתמשת במרב האיכות שיש לה להציע, אך החדות שהיא מפיקה בצמצם f1.8 ראויה מאוד להערכה, ומספיק שנסגור צמצם ב- 1/3 או 2/3 סטופ על מנת שנוכל לקבל איכות טובה יותר.

מאז, אני באמת לא חושש להשתמש בצמצמים פתוחים, והעניין הפך להיות חלק גדול מהצילום שלי. כמובן שישנן לא מעט סיבות נוספות שיכולות להשפיע על חדות התמונה, אך העדשה הזו בהחלט נכנסת לשורת העדשות החדות ביותר, והיא יכולה למצוא את מקומה בצילום שלכם לא מעט.

בנוסף לחדות, האיכות האופטית של העדשה הזו היא מדהימה. הצבעים שהיא מפיקה מאוד עשירים, והניגודיות שלה נהדרת – מה שגורם לחדות טובה יותר.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

סיבה מס' 2 – מפתח צמצם פתוח מאוד

מפתח הצמצם המקסימאלי של העדשה הוא עניין חשוב מאוד, בין אם אתם מעוניינים לצלם בתנאי תאורה לקויים, ובין אם אתם מעוניינים לצלם תמונות עם עומק שדה רדוד מאוד. במילים אחרות, מפתח צמצם מקסימאלי של F1.8 יציל אתכם במצבים בהם התאורה חלשה, יאפשר לכם לצלם במהירויות תריס גבוהות יותר, ויאפשר לכם להפריד את הנושא מהרקע באופן מוחלט.

צילום בתאורה חלשה. צילום: תומר אלמקייס

צילום בתאורה חלשה. צילום: תומר אלמקייס

הפרדה מוחלטת של הנושא מהרקע. צילום: תומר אלמקייס

הפרדה מוחלטת של הנושא מהרקע. צילום: תומר אלמקייס

בנוסף, מפתח צמצם F1.8 בשילוב אורך מוקד 85 מ"מ הם מתכון מנצח לעומק שדה רדוד, מה שמייחד אותה כעדשת פורטרטים אולטימטיבית, ומה שמביא אותי לכתוב את הפסקה הבאה.

סיבה מס' 3 – אורך מוקד מושלם לצילום אנשים

למרות שאני אוהב נורא את ה-105 מ"מ שלי ואת העוצמות האופטיות שלה, אני נוטה יותר לצלם אנשים עם ה-85 מ"מ. באורך המוקד הזה אני מרוויח טווח טלה נהדר שלא מגביל את התנועות שלי, ומאפשר לי לצלם קבוצות של אנשים מבלי להידחק לקירות. הגמישות הזו מאפשרת לי גם להיות קרוב יותר למצולמים שלי, לחוש אותם, והיא מאפשרת גם להם לחוש אותי במידה ואני רוצה בכך.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

אם אתם מצלמים במצלמת קרופ, אז תצטרכו לקחת בחשבון את מקדם הקיטוע שמשנה את זווית טווח הראיה של המצלמה.

שילוב של אורך המוקד הזה יחד עם צמצם פתוח מאפשר לנו ליצור בוקה נהדרת אם רק נבחר את הרקע הנכון, מה שיאפשר לנו "להקפיץ" את הנושא שלנו על פני שאר התמונה.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

סיבה מס' 4 – פוקוס מהיר מאוד

פוקוס מהיר הוא נושא חשוב מאוד אם אתם מתכננים להשתמש במנוע הפוקוס של העדשה שלכם. אם היו (או שיש) באמתחתכם מספר עדשות, אתם צריכים לדעת שעניין מהירות הפוקוס משתנה מעדשה לעדשה. ישנן עדשות שבהן מערכת הפוקוס מהירה במיוחד, וישנן כאלה שייקח להן קצת יותר זמן עד למיקוד מלא. בגלל העובדה שמפתח הצמצם של העדשה המדוברת הוא פתוח מאוד (F1.8), אז באופן טבעי היא מכניסה הרבה יותר אור, וכך קל יותר למצלמה למצוא פוקוס – מה שכמובן משפיע על המהירות שלו.

יוצא לי לא מעט להשתמש בפוקוס העוקב של המצלמה, ולכן מהירות הפוקוס חשובה לי במיוחד. עם העדשה הזו אני מצליח לתפוס נושא בתנועה שמתקרב אליי או שמתרחק ממני, ולשמור עליו חד לאורך כל הדרך.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

כדי ללמוד עוד על מערכת הפוקוס, אני מזמין אתכם לקרוא את הפוסט הזה.

סיבה מס' 5 – זו עדשה רב שימושית

אמרתי לפני כן שהעדשה הזו היא עדשת פורטרטים נהדרת, וכך גם כולם מכנים אותה, אך אורך המוקד הזה יכול להיות שימושי גם להרבה יותר מזה. בנוסף לשימוש בה בצילום פורטרטים, אני משתמש בה לצילומי אווירה של סיטואציות או מקומות, לצילומי תקריב, ולכול סיטואציה אחרת שדורשת ממני צילום בעדשת טלה קצרה.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

בשורה התחתונה, העדשה הזו הולכת איתי לכל מקום ואני באמת לא יודע מה הייתי עושה בלעדיה.

סיבה מס' 6 – קלה לנשיאה וידידותית לסביבה

ל-70-200 שהייתה לי קראתי "נשק הסליחות"' מכיוון שכל הזמן הייתי נכנס איתה באנשים – מה שדרש ממני לבקש סליחה 356 פעמים (בקירוב) בערב אחד. ה-85 היא ההיפך הגמור.. היא קטנה ודלת משקל – מה שהופך אותה לקלה לנשיאה וידידותית לסביבה.
מלבד עניין הנשיאה, המשקל של העדשה מהווה יתרון גם ביציבות התמונה, שכן היא לא דורשת הפעלת כח כשמחזיקים אותה ביד.

כמו כן, כאשר אתם רוצים להסתובב עם טווח ארוך (טלה) ברחוב, היא פחות "תאיים" על המצולמים שלכם ותעזור לכם להוציא תמונות טובות יותר.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

סיבה מס' 7 – תמורה הולמת עבור המחיר

קחו את כל מה שכתבתי למעלה, תחברו את הכל יחד, ותוסיפו לזה מחיר שלא עולה על 2300 ש"ח. במחיר הזה (ואפילו בפחות) אתם מקבלים תמורה אופטית מדהימה, חדות ואיכות מעולים, בוקה נהדרת, פוקוס מהיר, וכל זה בתוך עדשת טלה קטנה שיכולה לשמש אתכם לא מעט!

אם אתם נמצאים כרגע במצב של חוסר החלטיות בנוגע לעדשה הבאה שלכם, אז אני מאוד מקווה שפתרתי לכם את הדילמה 🙂

וככה העדשה נראית:

מימין: העדשה של ניקון. משמאל: העדשה של קנון. צילום: H&B

מימין: העדשה של ניקון. משמאל: העדשה של קנון. צילום: B&H

כמה מילים לסיום

המחלה הכי גדולה של צלמים היא "ציודיזם". מחלה זו לעולם לא מרפה מהצלם, החיידקים מתרבים במהירות והמחלה הופכת לקשה יותר. מה שמייחד את המחלה הזו במיוחד זו העובדה שהיא מדבקת מאוד, ללא מגע. כשאנחנו רואים איזו עדשה מטורפת אצל צלם אחר, אנחנו מיד רוצים גם, ואני מכיר גם כאלו שמיד רצים לקנות.. הבעיה היא שלפעמים אנחנו לא בודקים יותר מדי, אך אם נעצור לרגע לפני שאנחנו רצים לקנות עדשה ב-12,000 ש"ח, אנחנו נגלה שבמחיר הזה אנחנו יכולים לקנות 3-4 עדשות שיהיו הרבה יותר שימושיות מהעדשה שרצינו..

העדשה המדוברת נמכרת במחיר שווה לכל צלם באשר הוא. מכיוון שמדובר בעדשת Prime, אז היא לא תוכל לשמש לכם כעדשה יחידה, אבל מי באמת רוצה לצלם רק עם עדשה אחת?…

ותחשבו על זה..

אז שוב תודה לכם שקראתם אותי. אשמח לדעת מהן התובנות שלכם מהפוסט, וכמובן שאתם מוזמנים לשתף אותו לכל מי שרק תרצו. הדבר נעשה בקלות דרך כפתורי השיתוף המופיעים כאן.

אם כבר יש ברשותכם את העדשה שעליה אני מדבר, אתם מוזמנים לומר את הדעה שלכם עליה ולשתף אותנו בחוויות שלכם איתה.

נתראה (איך לא?) בפוסט הבא 🙂

10 שיעורים שאתם יכולים ללמוד מעידן סרטי הצילום

בעוד שישנם הבדלים גדולים בין צילום דיגיטלי לצילום בסרט צילום (Film), הם עדיין חולקים לא מעט מן המשותף. הקומפוזיציה, האור, הגדרות המצלמה, ואפילו הדרך שבה המצלמה עובדת (ברוב המקרים).

צלמים המגיעים מעידן סרטי הצילום יודעים שהם התמודדו עם הרבה יותר אתגרים צילומיים מאשר צלמים בעידן הדיגיטלי. ההתמודדות הזו יכולה בהחלט להיות שימושית גם בעידן הצילום הדיגיטלי, והיא יכולה ללמד אותנו המון. במאמר זה אני רוצה להביא בפניכם 10 שיעורים חשובים שאנחנו יכולים ללמוד מעידן סרטי הצילום, ואיך הם יכולים לשפר לכם משמעותית את הצילום ואת החוויה הצילומית שלכם. 

שיעור מס' 1: חדות איננה בעדיפות הראשונה

קריאה בבלוגים ופורומי צילום למיניהם יכולים בקלות לגרום לכם לחשוב שחדות היא הדבר הכי חשוב בתמונה. אמנם כתבתי על זה בעבר, אבל חדות היא לא תמיד הדבר החשוב ביותר בתמונה.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

בעוד שנושא החדות היה (ועודנו) חשוב לצלמי הפילם, הוא מעולם לא קיבל את המעמד הממלכתי אותו הוא מקבל היום, בעידן הצילום הדיגיטלי. תוכלו לקחת לדוגמא את עבודתו של הצלם אנרי קרטייה ברסון שהיה מגדולי צלמי העיתונות, ולימים היה גם צלם קולנוע מבוקש. ממבט חטוף על עבודותיו אתם תראו אותן חדות, אך אם תבחנו אותן מקרוב אתם תגלו כי ברובן חסרה החדות הזו שרבים מהצלמים מחפשים כיום, בעידן הדיגיטלי.

סרטי הצילום פשוט לא מסוגלים להגיע לאותה החדות של החיישן הדיגיטלי, והעדשות שהיו בימים ההם לא היו חדות כמו העדשות שקיימות היום.. ועם כל המגבלה הזו, צלמים עדיין היו מגיעים לתוצאות מעולות!

צילום: ג'וליה מרגרט קמרון

צילום: ג'וליה מרגרט קמרון

שיעור מס' 2: לא לחשוש מגרעיניות

באופן דומה לחדות, נושא הרעש/גרעיניות שנוצר משימוש ב-ISO גבוה תמיד יוצר דיונים כאשר יוצאת לאוויר העולם מצלמה דיגיטלית חדשה. עם זאת, רמות הרעש הנוצרות במצלמות דיגיטליות, אפילו כאלו שנוצרו לפני חמש-שש שנים, נמוכות בהרבה מרמות הגרעיניות המאופיינות של סרטי הצילום.

אצל הרבה צלמים -בעיקר כאלו בתחילת דרכם- גרעיניות היא דבר בלתי נסבל, אך יש שפע של תמונות שצולמו ברגישות גבוהה מאוד, ובכל זאת הן נחשבות לתמונות מעולות למרות היותן מצולמות בסרט רגיש לאור ברמה גבוהה.

אז אם אתם רוצים לצלם בתנאי תאורה לקויים, תעלו את ערך ה-ISO של המצלמה שלכם מבלי לחשוש. אמנם התמונה שתתקבל תהיה מגורענת יותר, אבל כל עוד שהתמונה בנויה טוב מבחינת תאורה, קומפוזיציה, פוקוס וכו', זה לא ממש ישנה לכם הרבה. רעש וגרעיניות יכולים להוסיף המון אופי לתמונות שלכם, במיוחד אם מדובר בתמונות שחור לבן.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

שיעור מס' 3: טעויות זה לא דבר כל כך רע

דליפות של אור, סרט פג תוקף, חשיפות כפולות, סרט מעובד שלא בצדק, ועוד.. כל הבעיות האלו היו נפוצות כאשר צילמנו במצלמות פילם, ובכל זאת צילומים המפגינים בעיות כאלו יכולות להיות מעולים כאשר הבעיה משמשת כאפקט אומנותי.

חשיפה כפולה. צילום: תומר אלמקייס

חשיפה כפולה. צילום: תומר אלמקייס

גם שימוש בציוד מסוים שאינו איכותי, כגון שימוש בעדשות זולות, היה יוצר אפקטים לתמונות. אני מכיר המון צלמים (שחיים ובועטים בעידן הזה) שקונים עדשות ישנות מאוד בכל פעם שהם פוגשים כאלו. הם משתמשים בסטיות האופטיות של העדשה, ביושן שלה, ובפרמטרים אחרים, וזאת על מנת ליצור אפקטים אמנותיים לתמונות. זה יכול להתבטא  בצורת בוקה ייחודית, בהבהק פלייר מרשים מאוד, במריחות צבע ואור ועוד..

אל תפחדו לקחת את המוזרויות ואת החולשות של הציוד שלכם כדי להשתמש בהן לטובתכם.

שיעור מס' 4: להעריך כל תמונה

המגבלה הכי גדולה בצילום בסרטי צילום זה שהם הגיעו עם מגבלה של מספר תמונות שאפשר לצלם על אותו הסרט. כמובן שלכל סרט נוסף ישנו ערך כספי, וכמו כן ישנן עלויות עבור פיתוח הסרט וההדפסה. בכל צילום שהצלם האנלוגי היה מצלם, הוא היה לוקח בחשבון שישנה עלות כספית אמיתית עבור התמונה הזו, בעוד הצלם הדיגיטלי יכול לצלם ולצלם עד גמר כרטיס הזיכרון וללא עלות כספית כלל.

אז אין ספק שזה דבר מעולה שהיום אנחנו יכולים לצלם ולצלם ללא עלות כספית לכל תמונה שאנחנו מצלמים, ובעיקר בגלל זה תחום הצילום הוא תחום שהמודעות אליו הולכת וגוברת מיום ליום.

ובכל זאת, אלו שהכירו את עולם הצילום האנלוגי, אפילו במעט, יסכימו איתי שהחשיבה הצילומית בתקופה ההיא הייתה שונה. לפני הלחיצה על המחשף, הצלם היה מוודא שהכל יושב כמו שצריך, שהקומפוזיציה טובה בדיוק כמו שהוא רוצה, ושאין לו טעויות בחשיפה. רק אז הוא היה מצלם, ועם ידיעה בטוחה שהתמונה שיצלם תצא מושלמת.

תלמדו מזה.. קחו את הזמן עם הצילום שלכם. תנסו ותוודאו תמיד שהקומפוזיציה והחשיפה טובים עוד לפני שלחצתם על המחשף. כמובן שלא תמיד אתם תוכלו לקחת את הזמן כי ישנם מקרים של רגע שלא חוזר, אבל לפעמים רק צריך לשנות מעט את דפוס החשיבה, והזמן כבר יעשה את שלו..

להיות קשובים לעצמנו ולחשוב לפני שאנחנו מרימים את התריס – זה דבר שיכול ללמד אותנו המון על צילום, וזה יכול לשפר את העבודה שלנו מאוד. תחשבו על תמונות טובות יותר ולא על כמות תמונות גדולה.

והכי חשוב שתחשבו (!) לפני כל לחיצה.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

שיעור מס' 5: אל תפחדו להתנסות

אחד הגורמים שהבליטו צלמי פילם טובים מהאוכלוסייה הכללית, היה שהצלמים הטובים פשוט צילמו הרבה יותר. הם היו מצלמים פילם או שניים ביום אחד, בעוד האדם הממוצע היה מצלם פילם אחד בחודש אם בכלל.

צלמי הפילם הטובים ביותר פשוט לא פחדו להתנסות, למרות עלויות הסרטים, הפיתוחים וההדפסות. הם ניסו טכניקות שונות של צילום, תאורה, עיבוד והדפסה. לא הכל עבד תמיד כמו שהם ציפו, אבל זה עזר להם ללמוד ולהבין מה טוב ומה לא – מה שאפשר להם לצלם תמונות טובות יותר בעתיד.

זה אולי נראה סותר את הסעיף הקודם, בו דיברתי על הערך של כל תמונה, אבל יש הבדל גדול בין צילום במחשבה ובכוונה תחילה, מאשר צילום של כל כך הרבה תמונות רק בגלל שאין להן עלות כספית.

אתם לא צריכים לנסות טכניקות מטורפות, אלא פשוט לנסות דברים חדשים ושונים. זה יכול להתבטא בצילום, בנושאים שאתם מצלמים, בתאורה, בקומפוזיציה ובסגנון הצילום הכללי.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

שיעור מס' 6: Manual הוא לא בלתי אפשרי

עד סוף שנות ה-80 ותחילת שנות ה-90, הרוב המכריע של המצלמות והעדשות שנמכרו היו עם פוקוס ידני בלבד, ומצלמות עם חשיפה אוטומטית החלו להימכר בשנות ה-60 המוקדמות, כאשר עד אותה תקופה הצלמים "נאלצו" להשתמש בחשיפה ובפוקוס ידניים בלבד.

Shooting a wedding with an oldschool camera

התקדמות הטכנולוגיה גורמת לנו לחשוב אחרת. אתם יכולים לקרוא היום המון תגובות על עדשות "לא טובות" בגלל שאין להן פוקוס אוטומטי. אז אני אחדש לכם שהמון תמונות מצוינות צולמו עם עדשות ידניות, גם בעבר וגם היום.

אז נכון, אין ספק שעדשות עם פוקוס אוטומטי מאוד נוחות לשימוש, אבל אם לא איכפת לכם לצלם עם פוקוס ידני כמו שצלמי פילם רבים נאלצו, אתם יכולים למצוא עדשות ידניות מעולות במחירים זולים מאוד ועם תמורה גדולה יותר ממה שפוקוס אוטומטי היה נותן לכם.

תוכלו למצוא עדשות מדהימות עם פוקוס ידני, כגון עדשות Tilt-shift, Lens Baby ו-Petzavel שמפצות מאוד על היותן נטולות פוקוס אוטומטי.

במונחים של חשיפה אוטומטית, אתם לא הולכים למצוא מצלמות דיגיטליות ידניות במחירים זולים יותר. עם זאת, אתם לא צריכים לפחד ללמוד כיצד להשתמש במצב חשיפה ידנית על המצלמה שלכם. זה לא משהו שאתם מחויבים להשתמש בו כל הזמן, אבל זה בהחלט ייתן לכם שליטה טובה יותר על איך שהתמונה שלכם תיראה עוד לפני שצילמתם אותה, ממש כמו בעידן סרטי הצילום.

שיעור מס' 7: להכיר את הציוד שלכם

צלמי פילם "נאלצו" להכיר את הציוד שלהם כדי להגיע לתוצאות מצוינות. הם היו צריכים להבין איך להתאים את החשיפה, כיצד להגדיר את הצמצם והתריס, כיצד למתוח את הסרט וכו', בעוד מצלמות דיגיטליות נוטות להיות הרבה יותר קלות לתפעול וצילום.

Vintage Photography Concept

תכירו את הציוד שלכם, וזה יאפשר לכם לשנות את ההגדרות בקלות ובמהירות כדי לקבל את התוצאה הרצויה. אתם רוצים פורטרט עם רקע מטושטש? אתם צריכים לדעת באיזו עדשה לבחור, באיזה מפתח צמצם להשתמש, כיצד להגדיר אותו, איך להתמקד נכון ואולי גם איך לעשות פיצוי חשיפה.

כל מה שאתם רוצים זה שתוכלו להגדיר במהירות ולא להתחיל לגשש באפילה בתפריט המצלמה או במדריך המשתמש. יותר חמור מכך – אתם ממש לא רוצים להגיע למצב שיוצאת לכם תמונה טובה ב"פוקס", ואתם לא ממש יודעים מה גרם לתוצאה הזו.

ודאו שאתם יודעים איך להשתמש בציוד שלכם. זה לא אומר שאתם צריכים ללמוד בעל פה את הספר, אלא רק לוודא שאתם לפחות יודעים את היסודות של ההגדרות השונות, מה כל הגדרה עושה, וכיצד לשנות אותן.

שיעור מס' 8: צילום הוא תהליך

אחד מצלמי הפילם הגדולים והידועים ביותר היה צלם הנוף אנסל אדמס אשר ידוע בעיקר בזכות תמונות הנוף בשחור לבן שהיה מצלם. אנסל אדמס בילה זמן רב מאוד בהקמת מצלמתו ובמדידת אור יסודית כדי לקבל קומפוזיציה וחשיפה מדויקים. עם זאת, אחרי שהוא צילם את התמונות, הוא ממש לא סיים את העבודה שלו. כאן התחיל לו תהליך ארוך של הדפסה עם שליטה מלאה על כל גוון של אפור.

הוא בילה המון זמן בחדר החושך כדי לעבוד בזהירות על התמונה. הוא עבד על כל אזור ואזור בתמונה כדי להגיע לתוצאה חדה ביותר ועם טווח דינמי שמרשים את כולנו על עצם היום הזה. וכמוהו, עוד המון צלמים עשו תהליכים דומים על העבודות שלהם.

אחד הדברים שלמדתי מחדר החושך זה שצילום אינו נגמר לאחר הלחיצה על המחשף. צילום הוא תהליך שמתחיל במצלמה, ממשיך לתהליך הפיתוח והעיבוד, ומסתיים כאשר אנחנו מציגים את התוצאה.

הצילום הדיגיטלי דומה מאוד באותו אופן. צילמתם תמונה, ועכשיו יש את תהליך העיבוד, שהוא חלק בלתי נפרד מהצילום. שם אתם תוכלו לסיים את היצירה שהתחלתם ולהבטיח שהתמונות שלכם ייראו הכי טוב שאפשר ושיעבירו את המסר שרציתם להעביר.

תמונה עליונה: לפני עיבוד. תמונה תחתונה: אחרי עיבוד. צילום: תומר אלמקייס. דוגמנית: אפי פלריה. מתוך סדנת צילום אנשים בתאורה טבעית

תמונה עליונה: לפני עיבוד. תמונה תחתונה: אחרי עיבוד. צילום: תומר אלמקייס. דוגמנית: אפי פלריה. מתוך סדנת צילום אנשים בתאורה טבעית

שיעור מס' 9: היו עקביים

בצילום בפילם, אתם לא יכולים לשנות את הפילם שלכם עד שתסיימו את כל הגליל. אתם צריכים לקחת סט של תמונות על סרט בודד, שיהיה להם אופי דומה המורגש מסרט הצילום. לדוגמא: אם שמתי עכשיו סרט צילום שחור לבן, אז אני אצלם עכשיו 36 תמונות שאותן אני רוצה בשחור לבן..

בדומה לכך, בזמן פיתוח הסרט, כל התמונות יקבלו את אותו תהליך פיתוח, וזה לא יהיה פיתוח שונה עבור כל תמונה בנפרד.

בצילום הדיגיטלי המצב הוא אחרת. אתם יכולים לשנות את סגנון התמונה שלכם מאוד בקלות. בלחיצת כפתור אתם יכולים להוסיף ניגודיות, לצלם בשחור לבן, להוסיף רוויה וכו'.

אין שום דבר רע עם השימוש בהגדרות השונות, אולם כאשר אתם מציגים את התמונות שלכם יחד כסדרת תמונות, הן צריכות להיראות שהן שייכות זו לזו.

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

צילום: תומר אלמקייס

אם התמונות הן של נושאים שונים בתכלית או שיש סגנונות עיבוד שונים מאוד, הן לא ייצרו סדרת תמונות ראויה, אלא סתם ייראו כמו ערבוב של תמונות שלא קשורות זו לזו.

שיעור מס' 10: הדפסה

עבור הרוב המכריע של צלמי הפילם, המטרה הייתה בסופו של דבר – ההדפסה. באותה תקופה זו הייתה הדרך היחידה לשתף לעולם את התמונות שלנו. היום המצב הוא שונה, ודי נדיר לראות שצלמים מדפיסים את העבודות שלהם.

העולם הדיגיטלי מציע לנו דרך מצוינת לשתף את התמונות שלנו ברגע אחד לכל מקום בעולם, אבל זה לא אומר שכבר אין שימוש בהדפסת תמונות. חוויית הצפייה בתמונה שמודפסת באיכות טובה ותלויה על הקיר, שונה לגמרי מחוויית צפייה על גבי מסך.

באופן דומה, מסירת תמונות מודפסות למשפחה ולחברים היא חוויה שונה מאוד מאשר צפייה במצגת. הדפסות הן יותר אמיתיות, והעובדה שהייתם צריכים לשלם כסף כדי לקבל הדפסה, מוסיפה ערך רב יותר לתמונה.

הדפסים הם גם מעולים עבור יצירת זיכרון טוב. הם לא מחזיקים מעמד לנצח, אבל אם הם שמורים בתנאים טובים הם כנראה יחזיקו מעמד זמן רב יותר מהכונן הקשיח של המחשב שלכם. הם גם ישאירו לכם סוג של מורשת פיזית שלא ניתן להתעלם ממנה בקלות כמו קבצים דיגיטליים.

J

סיכום

יש לא מעט שיעורים שצלמים דיגיטליים יכולים ללמוד מצלמי פילם. כדי להשתמש בשיעורים האלה, אתם לא צריכים לקנות מחר מצלמת פילם ו-50 סרטי צילום שחור לבן (למרות שזה יכול להיות רעיון לא רע בכלל). אתם בסך הכל צריכים לחשוב קצת כמו צלמי פילם. אני מבטיח לכם שהשינוי הזה בגישה יכול לעשות לכם פלאים באיכויות ובחוויית הצילום שלכם. אם אתם ממש רוצים להשקיע, אז אתם יכולים מדי פעם לצלם במצלמת פילם.. זה גם יהיה כיף, וגם יחזק אצלכם המון נקודות.

זהו להפעם, חברים 🙂

אני מקווה שהייתי טוב אליכם ושראיתם את הפוסט הזה מועיל לפחות כמו הקודמים לו. אז אם אהבתם, אתם מוזמנים לשתף אותו בשמחה ובקלות דרך כפתורי השיתוף המופיעים כאן.

נתראה בפוסט הבא 🙂

קורסי צילום ועיבוד תמונה בנקודת מבט: